Museo Nacional de Arte Decorativo
 
Museo Nacional de Arte Decorativo Ministerio de Cultura Museos nacionales
 
 

 

Exposiciones Pasadas
 

2014

Ecos de Grecia - Jardín de Invierno

Ecos de Grecia en el Museo

La Grecia histórica – más precisamente la Hélade de los ocho siglos anteriores a Cristo –  ha sido la generadora de la concepción artística y cultural del clasicismo en Occidente en sus diversas alternativas y variantes, primeramente a través  de la asimilación y expansión por vía del imperio romano y, varios siglos después,  proveyendo de sustento y memorias al platonismo del renacimiento florentino, a los ingredientes neohelenísticos del barroco, a la explosión del neoclasicismo europeo del siglo XVIII y a los códigos compositivos y ornamentales de las academias de bellas artes del XIX e, incluso, a diversos revivals y revisiones de la posmodernidad.

Las representaciones antropomórficas de kourós y korés, tanto las que corresponden al idealismo clásico cuanto los modelos dinámicos de las figuraciones helenísticas, la preocupación por fijar el orden simbólico y las proporciones ideales en la arquitectura, el rol fundamental de la escultura y de la columna como metáfora humanista, y el recurso del arte como denotación de la tríada verdad – belleza-bien, son legados que siguieron impregnando dos mil años de cultura occidental.

Cuando llegan un nuevo tiempo histórico y la cultura de Acadia deja paso al centralismo de Bizancio cristiano, Grecia proveerá al mundo ortodoxo el sagrado modelo del ícono - no por nada un término griego que significa ´imagen´- que arraigará y florecerá  en tierras orientales y eslavas.

Hacia fines del 1500 será un griego nacido en Creta -isla a la sazón dominada por Venecia y jaqueada por los otomanos- quien, formado en el misticismo de los íconos hieráticos y sus fosforescencias blancas y doradas, se encargaráo de fundir esa herencia con los colores sensuales del manierismo italiano y elevarlos a la espiritualidad descarnada de la corte española.

Como evidencia de la vitalidad de estas nutrientes culturales,  y en coincidencia con el período de presidencia  griega  del Comité de Europa, el Museo Nacional de Arte Decorativo propone un recorrido por diversos objetos de su colección artística en los que anidan y resuenan los ecos del arte y las ideas de la antigua Grecia. En algunos casos se trata de obras que tienen más de veinte siglos de antigüedad, como el magnífico lekhytos o el vaso olpe de cerámica , la máscara funeraria con ojos de obsidiana,  una serie de lagrimeros y ungüenteros vidriados y un conjunto de graciosas tanagras, figurillas de terracota que tomaron el nombre de las necrópolis de la ciudad de Beocia donde fueron encontradas.

En otros casos los ecos de Grecia  se encuentran en las representaciones de caduceos tallados en las sobrepuertas, clepsidras y cornucopias tejidas en tapices, cortejos de bacantes y una hamadríade en terracota, un óleo tardobarroco de Afrodita y Eros -rebautizados Venus y Cupido romanos-, una Artemisa en brone de Zadkine –rebautizada como Diana cazadora-  y varias esculturas que recorren la dilatada parábola  del neoclasicismo, desde los pulidos modelos de Chinard y Pollet hasta  las figuras musculares de Rodin y Alberto Lagos.

Y, por supuesto, estará  el Cristo llevando la Cruz de El Greco, presencia permanente y una de las obras capitales de nuestro Museo, que en esta ocasión se asocia con la conmemoración de los 400 años de la muerte de  su autor cretense.

 

De allí que Grecia, esta tierra/mar tan pequeña en dimensiones, de límites cambiantes n el tiempo y recurrentemente tensionada, conquistada, devastada y resurgida, debe ser considerada como la semilla fértil, jamás vencida, que supo engendrar expresiones artísticas de una variedad y una profundidad notables, y asegurarles esa  inmortalidad que nos permite conocerlas y seguir gozándolas.

Alberto Bellucci

Director del Museo Nacional de Arte Decorativo



Horace Lannes. Elegancia y glamour en el cine argentino

 

El Museo Nacional de Arte Decorativo se complace en  presentar las creaciones del reconocido diseñador y Director de Vestuario de cine y teatro Horace Lannes. Creador, en  la segunda mitad del siglo XX y primeros años del XXI, de los vestuarios de más de un centenar de filmes de todos los géneros y de todas las épocas, su nombre está vinculado con el de las grandes divas y actores famosos. Horace Lannes considera que en el cine el personaje se impone más por su vestuario que por cinco líneas de diálogo y que se debe tener en cuenta la psicología del personaje y las características físicas del actor que lo va a interpretar.

Su vocación y su talento lo llevaron a ganar a los 21 años el concurso para diseñar el vestuario de la película -La mujer de las camelias- protagonizada por Zully Moreno, estrenada en 1953.

En esta exhibición se presentan creaciones que abarcan desde ese año hasta el 2004 con el vestuario de la película Ay Juancito! centrada en el ascenso y caída de Juan Duarte, hermano de Evita.

Planta Principal: Sus creaciones se distribuyen en:

Salón de Madame - Vestidos rosados- por mencionar algunos: de Lolita Torres en -Joven, viuda y estanciera- (1970), Libertad Lamarque -La sonrisa de mamá- (1972)

Salón de Baile: Blanco y Negro para: Zully Moreno, Nelly Panizza, Mecha Ortiz, Sabina Olmos, Tita Merello, Aída Luz, Nati Mistral, Susana Giménez, Susana Traverso, Osvaldo Miranda. Jairo.

Jardín de Invierno, más concentrado temáticamente, se exhibe vestuario de la película dirigida por Héctor Olivera en 2004 – Ay Juancito! Para Laura Novoa, Inés Estévez, Norma Aleandro, Leticia Brédice, Adrián Navarro.

Salón Comedor: de Mirtha Legrand en - Sábado a la noche, Cine” (1960) y de Tita Merello – La Madre María- (1974), Además hay diseños para: Zully Moreno, Silvia Legrand, Nelly Omar, Susana Campos,  Mercedes Carreras, Graciela Borges, Virginia Luque, Alicia Bruzzo, Leonor Benedetto, Libertad Leblanc, Isabel Sarli, Camila Perisse, Gabriela Toscano, Susana Traverso, Natalie Pérez, Duilio Marzio, Rodolfo Bebán, Palito Ortega, Sandro. También en las vitrinas se exhiben sombreros usados por actrices y actores en diferentes momentos.

Subsuelo: Figurines creados  para Zully Moreno,  Diana Lupe, Tania, Sofía Bozán, Aida Luz, Susana Campos, Elvia Evans, Mecha Ortiz, Mirtha Legrand, Amelia Bence, Inda Ledesma, Lolita Torres, Julia Sandoval, Susana Giménez, Evangelina Zalazar, Graciela Borges, Zulma Faid, Libertad Leblanc, Sandro.

Con la curaduría del Sr. Horace Lannes y del Lic. Hugo Pontoriero, la dedicada asistencia de la Sra. Naty Astudillo,  de los integrantes del Departamento de Museología, del Departamento de Administración y del Departamento de Extensión Cultural y Difusión  responsable del  estudio y realización de los guiones para las visitas guiadas,  la exhibición de las obras de este diseñador será apreciada por el público visitante que podrá  recordar o conocer la labor de este artista del vestuario, recientemente declarado Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura Porteña.

 Visitas guiadas: Planta Principal

Sábados y domingos 14,30 hs.
Martes a domingos 17,30 hs.

Fotos Juan Garcilazo MNAD



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1950.El triunfo del diseño. Vidrios firmados: Colección del Museo : Dinamarca, Holanda,Finlandia,Italia, EE.UU


El Museo Nacional de Arte Decorativo cuenta entre su valioso patrimonio con piezas de cristal de la década de 1950 que fueran  donadas al Museo  gracias a la activa gestión del Dr. Jorge Prieto Director del Museo entre 1956 y 1963 quien interesó y alentó a embajadas y coleccionistas a realizar dichas donaciones.

El término “diseño” deriva del italiano disegno: dibujo. Diseñar implica un proceso de creación y desarrollo a fin de  producir un nuevo objeto o medio de comunicación. Requiere tener en cuenta aspectos funcionales, estéticos y simbólicos. Comprende varias etapas: observación, investigación, análisis, testeos, modelados físicos o virtuales, ajustes y adaptaciones previas a la producción definitiva del objeto, sobre todo en el rubro industrial.

Esta exhibición se presenta dividida en cinco núcleos temáticos: en los que cada país está representado con sus manufacturas y diseñadores de la década mencionada.
Dinamarca: Manufactura: Holmegaard y Kastrup. Vidrios diseñados por Per Lütken, Jacob E. Bang, Arne Bang y Bent Severin.
Donación Embajada del Reino de Dinamarca 1959
Holanda. Manufactura Royal Leerdam. Vidrios diseñados y firmados por Andries D. Copier y Floris Meydam. Donación Embajada del Reino de los Países Bajos 1959.
Finlandia: Manufactura Littala. Vidrios firmados por Tapio Wirkkala y Timo Sarpaneva. Donación Embajada de la República de Finlandia 1959
Italia: Manufactura Seguso Vetri d´Arte y Venini Murano. Diseñadores Archimede Seguso, Paolo Venini, Gio Ponti, Vinicio Vianello y Ricardo Licato, Fulvio Bianconi, Flavio Poli  y Carlo Scarpa. Donación Olivetti Argentina S.A 1962
EE.UU Manufactura Steuben.  Vidrios firmados por Lloyd Atkins. Donación León Fourvel Rigolleau e Yvonnve Necol de Fourvel Rigolleau 1957

Con esta muestra culmina un ciclo de exposiciones temporarias con temática de las artes aplicadas y de diseño industrial producidas durante la década de 1950 en nuestro país y en algunos países europeos. En el 2006 se presentó Cristales de Suecia. Diseño 1950; en 2007-2008 Lucrecia Moyano de Muñiz. Diseño Argentino 1950 y en 2011 Cerámicas de Suecia. Diseño 1959 que han permitido al público visitante disfrutar de este valioso patrimonio y que con  la presente exposición se da un magnífico cierre a este ciclo.

Visitas guiadas Martes, jueves, sábados y domingos 17,30 hs.

 



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Gure Arropa. Trajes típicos del País Vasco

Organizado por el Laurak Bat de Buenos Aires - el Centro Vasco más antiguo del mundo con casi 140 años de antigüedad- se presenta esta muestra Gure Arrupa. Trajes típicos del País Vasco. Gure Arropa quiere decir en el idioma vasco (Euskera) nuestra ropa.

Esta conformada por 30 trajes que pertenecen a la colección de la Lic. Magdalena Mignaburu, investigadora e historiadora de la comunidad vasca que se complementará con otros trajes pertenecientes al Centro Vasco Denak Bat de Mar del Plata y del Centro Vasco Anaitasuna, de Maipú, Buenos Aires.

Son atuendos típicos organizados según las regiones geográficas a las que pertenecen y por algunas danzas típicas. Estos trajes fueron confeccionados con el objeto de preservar las características de la indumenaria utilizada desde el siglo XVII. Se presentarán también unos tocados medievales y varios tipos de calzado muy tradicionales.

La muestra estará acompañada de un video donde se proyectarán imágenes de Euskadi y de la cultura vasca y de otras actividades:

MARZO

Narración de cuentos vascos:  domingoS 23 , 30 -  15,30 hs. Sra. Gabriela Mendía

Música Vasca: (Tixulari) Sábados 15 , 22 , 29 - 15,30 Hs. Sr. José Gutiérres

ABRIL

Visita guiada sábados 5, 12  - 15,30 hs -Lic.. Magdalena Mignaburu

Narración de cuentos vascos: domingos: 6 , 13, 27  - 15,30 hs. Sra. Gabriela Mendía

Coro Lagun Onak Sábado 12  - 18 hs.

 

 

Es una muestra que será de sumo interés para el público visitante









Los Talleres del Museo 2013

Se exhibirán los trabajos realizados en el año 2013 por los alumnos de los distintos Talleres que se dictan en el Museo





Nocturnos de Guillermo Roux

El Museo Nacional de Arte Decorativo tiene el orgullo de volver a presentar obras de este eximio artista plástico que en 1988 exhibió una retrospectiva "Dela Phillips Collection al Museo Nacional de Arte Decorativo".

Guillermo Roux nació en Buenos Aires y recibió de su padre, Raul Roux gran ilustrador argentino, los elementos teóricos del dibujo y la pintura.

Egresado de la Escuela de Bellas Artes viaja a Europa y trabaja como ayudante de Umberto Nonni. De regreso en nuestro país, se instala en Jujuy, alternando la docencia en escuelas primarias con la realización de sus obras pictóricas. Viaja luego por Nueva York, París, Roma y Sicilia. En 1997 crea su propio Taller de enseñanza en Buenos Aires. Ha realizado múltiples exposiciones y ha recibido premios tanto en nuestro país como en el extranjero.

En esta exposición el soporte de esta serie de  dibujos Nocturnos fue la maqueta armada de un libro - catálogo de sesenta y tres hojas en las que el autor iba volcando los objetos que veía a su alrededor cuando por problemas de salud no podía movilizarse y de noche plasmaba en papel lo que veía a su alrededor. Cuando finalice esta muestra las hojas de ese libro tan prolijamente separadas y enmarcadas volverán  al formato original.

Todos los dibujos han sido realizados con carbonilla, Un antiguo oficio que Guillermo Roux aprendió de su maestro Corinto Trezzini, quien advertía a sus alumnos que esa simple barrita de sauce quemado “bastaba para hacer todo lo que hay de importante en pintura”. Roux lo recuerda con cariño pero va más allá e insiste en que un simple dibujo con carbonilla no sólo fija las formas del objeto en el espacio sino que con la variación de la intensidad y tonalidad de la línea se habla también de la luz,

Esta muestra de tan polifacético artista seguramente cautivará al público visitante.

Visitas guiadas Martes y  sábados 17,30 hs. ENERO









2013

Martha Le Parc . Artista o Artesana?

 

En esta muestra se exhiben tapices y collages de la artista argentina Martha Le Parc, radicada en Francia desde 1959;  ha realizado, entre otras,  exposiciones  de trajes para obras teatrales en las que unió sus conocimientos de pintura y escultura -ya que tiene formación en Bellas Artes-,   y en el año 2000 exposiciones personales en Mendoza y en Córdoba

Su admiración por las artesanías se manifiesta  en sus obras -ella se considera artesana-, a la vez que dedica  sus trabajos a “esos seres desconocidos, humildes y silenciosos” tan poco reconocidos.

Sintetiza sus sentimientos y puntos de vista sobre el arte y la artesanía tomando  la declaración en 1919 de la Bauhaus,  “el arte no es una profesión, no existe una diferencia esencial entre el artista y el artesano”….

Según Martha Le Parc la artesanía es  “Cultura. Memoria. Huella casi imborrable de un momento, d e una vida, de una época,  de una tradición.. Libro de imágenes. Escritura. Sueños imaginarios. Fantasía. Ilustración. Historia. Simbólico y religioso. Recuerdo. Tiempo. Obra única. Figurativo-Abstracto, geométrico, y etc. etc. En la palabra Artesanía está la palabra Arte”-

Fruto de sus manos, utilizando sus términos “instrumentos de mi espíritu”  sus obras son prodigas en intenso y variado colorido; a  partir de la superposición del satén, tafetán, terciopelo se despliegan en grandes tapices, sus diseños rítmicos inspirados en culturas de los pueblos originarios americanos, asiáticos y africanos.

Esta exposición de 19 tapices y 9 collages, en la que convergen el arte moderno y el arte tradicional,  seguramente será un deleite para el público visitante.







Emilio Patarca. El Mate de la Libertad

 

EXHIBIDO EN LA ANTECAMARA, DENTRO DE VITRINA DESDE 10 / 10 AL 10 /11

Estamos navegando la estela de los bicentenarios históricos de nuestra patria. Hace tres años conmemorábamos el del inicio de nuestra identidad nacional; dentro de otros tres festejaremos el de nuestra independencia. A medio camino entre ambos, este año se cumplen los doscientos  de la instalación de la Asamblea del año XIII, institución histórica que en el breve término de dos años estableció las bases fundamentales para la construcción de la república que pugnaba por nacer en medio de las dificultades y los desencuentros. La Asamblea soberana no sólo reemplazó los símbolos españoles por los nuevos himno, escudo y escarapela, sino que, entre otras muchas acciones, estableció los principios de representación política y soberanía popular, acuñó moneda propia, suprimió los títulos de nobleza y los instrumentos de tortura, eliminó varios impuestos, puso coto a las discriminaciones sociales y –quizás su decisión más valiosa y trascendente para esos tiempos- abolió la esclavitud y decretó la libertad de vientres de las esclavas.

Es esta decisión histórica  que el prestigioso platero Emilio Patarca ha querido celebrar con el Mate de la Libertad que acaba de realizar y que se presenta ahora en nuestro Museo. Como lo hizo en 2010 con el mate del bicentenario de Mayo, Patarca quiere festejar –me apropio de sus palabras- “los momentos más importantes de nuestra historia a través de la creación de obras conmemorativas cuyo motivo principal sea el mate, esa infusión tan nuestra, consumida históricamente por los argentinos de todas las clases sociales, desde el lejano norte hasta el extremo sur”. Y, por supuesto, lo hace con todo el esmero y la experiencia de un oficio que domina como pocos, utilizando la técnica más exigente y el material más refinado, que en este caso es plata 925/000, además del oro de 18 k para el escudo nacional que aplicó en la cara anterior dela pieza. Laaltura del mate (sin la bombilla) llega a los 27 cms, el diámetro de la base es de 12,5 cms y el peso del conjunto orilla los850 gramos, portando punzón de autor y sellos de ley de plata y de oro.

El soporte central del mate lo constituye la imagen de una esclava con los brazos extendidos, que acaba de romper sus cadenas y avanza resuelta hacia su destino de libertad. La figura se yergue sobre una base campanuliforme de diámetro decreciente, decorada con guarda de óvalos y hojas de laurel cinceladas en bajorrelieve. En la faja inferior, grabada a buril, se lee la primera frase de nuestro himno oficial, adoptado precisamente por la Asamblea en 2013: “Oíd mortales el grito sagrado: libertad, libertad, libertad!”

Sobre la testa de la esclava liberta se asienta el recipiente del mate, cuenco en forma de galleta que recuerda la hechura del mate que fue habitual entre los pobres y los humildes de la época.

La bombilla, de diseño sobrio y austero, exhibe en su parte central dos gruesos soajes que enmarcan una decoración torsa en espiral rehundido, en tanto el filtro replica el típico ´coco´, tan común desde principios del siglo XIX.

La presencia de Emilio Patarca en nuestro Museo no es nueva y por cierto que cada una de sus visitas nos revela un nuevo escalón en su trayectoria: esta vez lo sabemos instalado en su flamante casona-taller de Villa Udaondo, donde vive y trabaja intensamente en medio de la naturaleza, pero también conocemos la fuerte labor docente que desarrolla en su viejo taller de San Telmo, cada vez más comprometido con la transmisión de las técnicas y los secretos de la orfebrería a las nuevas generaciones.

Para decirlo de una vez, Emilio Patarca representa uno de esos casos felices en la historia del arte –nunca tantos como uno quisiera- en los que las calidades y los brillos de la obra creada reflejan los del espíritu del creador, y en los que el goce estético de la contemplación del objeto acabado se potencia con el regusto ético de saberlo producto de una personalidad abierta y humilde, optimista y generosa: definitivamente vida y obra para festejar

 Arq. Alberto Bellucci - Director del Museo Nacional de Arte Decorativo






Teresa Pereda, agua que no se detiene . 5 de Julio al 1º de Septiembre

  

En esta exposición se presenta la obra de la artista visual e investigadora,  Teresa Pereda, Licenciada en Historia de las Artes en la UBA y   Profesora enla Diplomatura Universitariaen Educación Intercultural dela Universidad Nacionalde Tres de Febrero.

En el año 1996 , recorriendo la Argentina, inicia la recolección de tierras provenientes de las distintas regiones de nuestro país para comenzar la concreción de una estética que se interesa en el vínculo hombre-tierra. Como consecuencia de estos viajes e investigaciones surgió  la serie  Itinerarios de Cuatro Tierras- instalaciones, libros de artista, pinturas, obras gráficas, objetos- A partir de 2007 sus viajes por América dieron origen a otra serie Recolección – restitución. Citas por América que fuera exhibida en el año 2010 en la exposición conmemorativa del Bicentenario enla Sala Cronopios del  Centro Cultural Recoleta. Ha realizado además, múltiples exposiciones individuales tanto en nuestro país como en el extranjero.

En la actual exposición,  con la curaduría de Lucas Beccar, se exhiben los trabajos producto de  los últimos siete  años de sus  investigaciones y que exploran el solido  vínculo entre el hombre y la  tierra – agua. Es precisamente  este  último elemento-el agua que no se detiene-  el eje primordial de esta muestra que se materializa  en  las diversas obras sobre papel, acero inoxidable, así como también en  videos.

En esta interesante muestra el público visitante podrá apreciar la interpretación y síntesis que hace Teresa Pereda sobre las identidades culturales y de la constante  lucha entre naturaleza y civilización.

AGOSTO Miércoles  7 , 14, 21 y 28 – 17,30 hs.  Charlas con Teresa Pereda o Lucas Beccar

PROYECCIÓN VIDEO INSTALACION EN SALA DE BAILE <br/>Jueves 29. viernes 30, sábado 31 / 8 < br/> Domingo 1º Septiembre - de 14 a 19 hs.







Los rostros del arte.Fotografías de Roberto Graziano

 

En su  transcurrir por el mundo y las artes, Roberto Graziano ha sabido registrar con su impecable técnica de pintor y de fotógrafo las infinitas formas encontradas a su paso y las supo envolver con sus ojos de artista.

 Para esta exposición Roberto Graziano ha organizado un desfile de retratos fotográficos de colegas artistas y referentes de la cultura –en su gran mayoría argentinos- y los ha estructurado en tres actos, en los que cada protagonista sucesivamente se presenta, se desfigura y se recompone en una suerte de tríada que podríamos titular ´rostros/ aura/ ámbito´

 El desfile se abre con la secuencia de rostros, donde el retratado aparece con los rasgos que lo identifican y por los cuales se lo reconoce. El mosaico puede tomarse como un abanico documental que oficia de apertura, pero más allá de la  objetividad del retrato, Graziano nos anticipa trazos de la identidad interior –la identità in nuce- de cada personaje. Así lo apreciamos en el enérgico facetado de un Rómulo Macciò como si fuera un busto romano de mármol de Carrara, en el colorido que enmarca a Marta Minujín, en la bonhomía irónica, tan característica y tan peculiar de Ferrari, Polesello o Seguí.

El siguiente capítulo se dedica al aura, esa experiencia  que aquí se aplica a la videncia de Graziano, capaz de intuir el aura y hacerla imagen. Evanescencias, proyecciones, duplicaciones de los personajes disueltos y recompuestos por obra, sentimiento y fantasía de quien los fotografía: la cacería del fantasma, como le gusta decir a su autor. Es así como Gyula Kosice se funde con el torbellino hidro-espacial que lo alimenta, Gorriarena nos mira de reojo, envuelto en sus propios vapores, mientras una Josefina Robirosa sonriente y una Marcia Schvartz de ceño fruncido se diluyen en neblina, Polesello baila al compás de sus arpegios blanquinegros, Le Parc se duplica como espíritu cinético de sí mismo y León Ferrari parece emular el éxtasis dela Santa Teresa de Bernini.

El tercer sector abre el último acto de esta procesión de personajes, que ahora aparecen retratados en la intimidad del ámbito creativo –taller, escritorio, jardín, escenario- donde cada uno de ellos trabaja, descubre, interpreta, comunica, crea y recrea y adonde  Roberto Graziano  nos lleva hasta estos lugares exclusivos,  en una muestra que cautivara al publico visitante.

 









Trajes tradicionales de Grecia

 

TRAJES TRADICIONALES DE GRECIA

En todas las civilizaciones la vestimenta,  más allá de la necesarias adaptaciones  al clima  , ha sido -y sigue siendo- un factor fundamental para el reconocimiento inmediato de los individuos dentro del grupo, de los grupos entre sí, y del propio grupo frente al extranjero

 Como sucede con toda expresión de creación popular, en el caso de los trajes tradicionales helénicos,  han llegado a su forma actual a través de una rica evolución de influencias cruzadas.A  través de los siglos han conservado elementos con  raíces en los períodos arcaicos y clásicos, incorporando sucesivas concepciones cristianas y bizantinas, así como influencias llegadas de Oriente y Occidente. Esta multiplicidad, que se diversifica según la posición geográfica, el clima, los usos y las costumbres regionales, explica la riqueza multifacética de los trajes de Grecia.

La variedad de los trajes tradicionales de Grecia parece inagotable: se han comprobado y registrado más de mil cien diseños de diferentes vestidos que abarcan el área continental e insular del país. El rasgo común reside en la audaz combinación de colores, la fantasía de su composición y la increíble diversidad de adornos que los complementan.

La principal característica del traje griego tradicional  es el pukamiso, camisa de manga larga o corta, indistintamente masculina o femenina. El atuendo principal de las mujeres era una camisa larga, sobre la que llevaban el kavadi, un vestido largo de lino con mangas, abierto hacia delante, o bien el siguni de lana y sin mangas, también largo y abierto hacia delante, habitual en las zonas más frías. En las islas y costas marinas se usaba el fustani, proveniente de la moda europea occidental. Los vestidos femeninos eran multicolores y con muchos bordados.

Por el contrario, la indumentaria masculina era más sencilla, basada en la pukamisa corta,  complementada con pantalón y largas medias tejidas, de color blanco. En las zonas costeras e insulares se usaba la vraka, bombachón azul o negro de amplios compartimentos que en cada lugar recibía diferentes sobrepuestos. Similar variedad puede apreciarse entre los chalecos de terciopelo de los habitantes urbanos, recamados en oro, y los delicados tejidos de lana propios del ámbito rural.  

Mención especial merece la fustanela, típico pollerín blanco y plegado que forma parte de diferentes atuendos típicos de la mayor parte de Grecia, semejante al quitón de la antigüedad clásica y a vestimentas bizantinas que se encuentran representadas en fragmentos de vasos de la época. Durante la guerra de la independencia (1820-1827) fue vestimenta tradicional de los patriotas independistas. Cuando Grecia se convirtió en Estado soberano, la fustanela pasó a ser realizada con 400 pliegues, símbolo de los cuatro siglos de dominación otomana. Hoy en día la portan orgullosamente los evzones, soldados de infantería de la guardia presidencial que calzan los pintorescos tsarujia con pompones de lana.

Treinta de los trajes exhibidos pertenecen ala Filoptoios Adeotisde Argentina -entidad benéfica de la comunidad helénica en nuestro país. Estos trajes fueron confeccionados en lostalleres del PalacioReal de Atenas con el objeto de preservar las características de la indumentaria tradicional que cada región lucía hacia 1830, época de la independencia del país.

Cabe consignar que todos estos vestidos son análogos en diseño y calidad de factura a los que pueden apreciarse en el prestigioso Museo Benaki de Atenas. La Sra Embajadora de Grecia, Da. Helena Levaditou, con su entusiasmo y esfuerzo personal contribuyó decisivamente a la concreción de esta muestra en nuestro Museo que deleitará al público visitante.

 

VISITAS GUIADAS







Diarios y Mapas de viaje Lucio Boschi

 

Fotógrafo autodidacta, muchos temas han atraído su mirada  de sensible observador participante ya que ha vivido en distintas comunidades tanto de los pueblos originarios de América como en Asia.

Su interés por la forma de vida de otros pueblos lo ha  llevado a volcar estas experiencias en  7 libros: Señores de la Tierra (1996) Pueblos de los Andes (2000) Danza Callada (20029 Quebrada de Humahuaca (2003) Una Argentina (2005) Un mismo rezo (2007); en éste el trabajo esta dividido en seis capítulos que son Budismo, Hinduismo, Judaísmo, Islam, Cristianismo y costumbres andinas. En el 2009 publica Ranchos de Argentina

En el 2001 fue activo participante- como fotógrafo-  en la campaña organizada por  la Secretaría de Cultura de la Nación a fin que la UNESCO declarara a la Quebrada de Humahuaca Patrimonio Cultural y Natural de la Humanidad ,  lo que se consiguió en el año 2003. También colaboró en el 2007 conla Organización Internacionaldel Trabajo OIT realizando el primer banco de imágenes sobre el trabajo infantil en la Argentina

Ha presentado muestras individuales a partir de 1996; en 1997 y 1998 expuso en el Museo Nacional de ArteDecorativo, la última en 2010 en Museo Nazionale Della Fotografía, en  Brescia ,  Italia

En el 2012  inauguró el MEC Museo de los Cerros, en la quebrada de Huichaira, próxima a Tilcara, en la provincia de Jujuy, declarado de interés provincial, con el aporte de obras gracias a las  donaciones de los artistas y sus .familiares pero sin apoyo económico de ningún tipo.

Su sentido humanitario lo ha llevado a colaborar, junto con otros artistas,  con Help Argentina con la subasta de fotos solidaria “Celebrando Argentina” en diciembre de 2012.

En esta muestra retrospectiva  se exhiben los diarios de viaje que el autor ha estado llevando durante 25 años  y en los que el  público visitante podrá apreciar su gran sensibilidad artística.

 VISITAS GUIADAS









Fantasía y realidad en el Museo. Ilustraciones de Dolores Avendaño -


El MNAD presenta trabajos  originales realizados por la destacada ilustradora argentina Dolores Avendaño, quien ha tenido a su cargo dibujar las portadas de  las ediciones en español de Harry Potter  de J.K. Rowling, escritora británica de enorme suceso por sus siete libros sobre la vida del joven aprendiz de mago y sus amigos  en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería.

 Dolores Avendaño,  además de esta exitosa saga también ha ilustrado el cuento  La Liebre Doradade Silvina Ocampo; Cats and Robbers de Jan Wahl; Los magos de Oriente de Eduardo Gudiño Kieffer , On Halloween Night de Ferida Wolf y Dolores Kozielski; también ha ilustrado  docenas de libros para las más importantes editoriales estadounidenses y  diseñado posters y packaging para varias empresas argentinas.

 Muchas de las obras exhibidas están realizadas con la técnica de  sfumature con colores de acrílico diluido que asemejan acuarelas entre  las que se destacan una serie de seis ilustraciones especialmente creadas para esta muestra. Escondidos en estas , se encuentran personajes y objetos  de  nuestro  patrimonio artístico   que están destinadas a incentivar la imaginación de los niños y de los adultos que nos visiten.

Entre el mundo de las calabazas de  Halloween, el arca de Noé repleta de sus queridos animales reales o fantásticos y la representación de la Naturaleza,  todo nos lleva a un mundo de sensaciones placenteras que esperamos todos compartan.

 

Charlas de Dolores Avendaño y firma de libros 17 hs.

Enero Míercoles 23 y 30

Febrero Miércoles 6 y Jueves 7 -  Miércoles 27  

Desde Martes 22/1

Recorrido comentado de la muestra
Fantasía y realidad en el Museo
Ilustraciones de Dolores Avendaño.

Martes a Sábados 15,30 hs. 









2012

Los Talleres del Museo 2012 -

Se presentarán los trabajos realizados por los alumnos asistentes a los distintos Talleres  y Cursos que se dictaron en el Museo Nacional de Arte Decorativo durante el presente año.

Talleres de Artes Plásticas: Pintura y Dibujo; Pintura avanzado; Figura Humana I y II; Pintura: Técnicas mixtas; Arte en Domingo; Sumi-e: Aguada japonesa. Talleres de Artes Decorativas: Reciclado de muebles y tapicería, Técnicas del vidrio: vitral, escultura y fusión; Diseño y estampado textil; Restauración de Porcelana; Arte Textil -Telar

Y de los Cursos: Historia del mueble, Historia del Arte y las Artes Decorativas.

 







Trazos de China. Museo Nacional de Arte Oriental

Trazos de China

Museo Nacional de Arte Oriental

20/10 – 11/11

Se exhiben piezas pertenecientes al Patrimonio del Museo Nacional de Arte Oriental, provenientes del legado Torre Bertucci, de donaciones del Gobierno de Taiwán, de la Asociación Amigos MNAO y de particulares.

Rollos de pintura sobre seda  del siglo XVI de la Dinastía Ming(1368-1644), manuscritos sobre seda, papel, madera; rollos de pintura sobre seda de fines de la Dinastía Qing(1644-1911), porta pinceles de porcelana, recipientes para el agua de la tinta, sellos de marfil, tinta en barra, apoya pinceles y tintero, además de algunas piezas -juego de escritura- de Japón.

Esta pequeña muestra de piezas del Museo Nacional de Arte Oriental pone en evidencia, una vez mas, la necesidad de que este Museo, actualmente cerrado, cuente con la prometida nueva sede.

mnao@mnao.gov.ar

Tel. 4801-5988

Martes a Domingos 14 a 19hs.





Meraviglie dalle Marche. 600 años de pintura italiana

Horario Extendido: 
Martes a Domingos de 12 a 18.45 hs.
Entrada $ 30
Estudiantes con acreditación y Jubilados con carnet/recibo $ 10
Menores de 12 años gratis
Martes entrada libre

En esta exposición se exhibe un valioso conjunto de pinturas provenientes de quince museos de Le Marche, región del centro de Italia sobre el mar Adriático, cuya capital es Ancona, zona culturalmente importante por la calidad y número de artistas que han aportado mucho al arte pictórico de la Península y del mundo.

La muestra es un significativo recorrido por la iconografía religiosa italiana que abarca desde las tablas del Gótico tardío – de fines del siglo XIV - siglo XV de los pintores Olivuccio da Ciccarello, y Paolo Veneziano hasta el Neoclasicismo monumental de Adolfo de Carolis de fines del siglo XIX y principios del siglo XX.

Entre este espacio de tiempo - Renacimiento temprano del Quattrocento y el Barroco tardío del Settecento- se encuentran una serie de pintores de primera magnitud: Carlo Crivelli, Rafael, Tiziano , Lorenzo Lotto además de obras de otros pintores igualmente destacables como el Guercino, Luca Giordano, Maratta que ilustran imágenes de la vida de Cristo , de la vida de la Virgen y de los Santos que evidencian la intensidad del pensamiento religioso de la época y del admirable oficio de estos pintores que así lo expresaron.

Las obras exhibidas provienen de:

  • Pinacoteca Civica ”Francesco Podesti” y del Museo Diocesano de Ancona
  • Pinacoteca Civica de Ascoli Piceno
  • Iglesia de Santa Lucía de Montefiore dell Aso
  • Pinacoteca Cívica de Macerata
  • Pinacoteca Civica de Jesi
  • Pinacoteca Cívica de Fabriano
  • Pinacoteca Civica de San Severino Marche
  • Museo-Tesoro de la Santa Casa de Loreto
  • Museo Diocesano y la Galería Nacional de la Marche de Urbino
  • Complejo de Museos S. María extra muros de Sant´Angelo in Vado
  • Museo Cívico de Pesaro
  • Pinacoteca Civica de Fano
  • Pio Sodalizio dei Piceni de Roma -ex Asociación di Marchigiani residentes en Roma-


Esta muestra, con curaduría del Profesor de la UBA
Arq. Angel Navarro, es patrocinada por la Hope Funds y asociados y fue también posible gracias al esfuerzo y gestión de Artifex, de su Presidente Prof. Giovanni Morello, de su Director Dr. Paolo Bedeschi y de su representante local la Sra. María Pimentel de Lanusse. Esta unión de esfuerzos sumados a los del Personal del MNAD permitirán al público visitante estar en contacto con una exposición excepcional.

 





Motos de carrera. Los años del vértigo: 1970 -1980. Colección Scalise 4/7 al 30/9.

Martes a Domingos 14 a 18.45 hs.
Entrada $ 10
Estudiantes con acreditación y Jubilados con carnet/ entrada libre
Menores de 12 años gratis
Martes entrada libre

En esta muestra se exhiben motos de la Colección de Arturo Scalise, familia emblemática dentro del motociclismo quien ha impulsado y desarrollado este deporte en la Argentina, organizando campeonatos nacionales y regionales, además de desempeñarse en el área empresarial con la producción de motos de marcas nacionales e internacionales.

Presidente histórico del CAMOD - Confederación Argentina de Motociclismo Deportivo - y Directivo de la FIM - Federación Internacional de Motociclismo - expandió las fronteras argentinas trayendo el Moto GP Internacional, a la vez que apadrinó a reconocidos pilotos argentinos en el mundo como Hugo Vigneti, Rene Zanatta, Walter Catania, Néstor Amoroso, Sebastián Porto, Matías Ríos y Tati Mercado.

Hablar de motos no exime hablar de pasión. No sólo por las piezas en sí, sino también por todo el mundo que las rodea: sus pilotos, sus mecánicos, sus ingenieros. Cada una de las motos exhibidas, además de haber sido concebidas casi de manera artesanal tienen un éxito en su haber y un sinnúmero de anécdotas, recuerdos, alegrías y tristezas que constituyen su historia. Cada una fue un símbolo de su momento y ha marcado un hito importante en la historia del motociclismo mundial.

El público visitante podrá recorrer esta muestra y adentrarse en el mundo del motociclismo que esta interesante colección le acerca.







Objetos guardados - Patrimonio del Museo Nacional de Arte Oriental (5/5 al 24/6)

El Museo Nacional de Arte Decorativo inicia su programa de exposiciones 2012 con la exhibición de objetos pertenecientes al patrimonio -hasta ahora inaccesible al público- del MNAO.

Se presentan ciento cincuenta objetos procedentes de diversas regiones de Asia, con predominio de objetos provenientes de Japón, China, India, con presencia de arte decorativo de Corea, Indonesia y Turquía, así como de Persia -actual Irán-, Siam -que comprendía los territorios de lo que es hoy Tailandia, Camboya y Laos-, Birmania -actual Myanmar- y Tibet.

Con un patrimonio heterogéneo tanto en origen como en épocas -abarca desde el siglo III al XX- así como en funciones, formas, materiales y técnicas se estableció un criterio que facilitara la interpretación de este conjunto. La organización elegida privilegia en primer lugar los materiales de las piezas: cerámica, bronces y otros metales, piedras, marfiles, maderas, esmaltes, textiles, papeles, etc. El segundo criterio fue agruparlos por lugares y culturas de origen y en tercer lugar por analogías funcionales. Pero tiene, a la vez, flexibilidad en aras de la armonía visual del patrimonio exhibido y la libertad de asociacion del visitante.

Se destacan el monumental gabinete-armario japonés, el complejo altar sintoísta de cuatro rumbos y el butsudan - altar doméstico budista- los tres del siglo XIX. Entre los más antiguos se destaca el vaso chino esmaltado del siglo III, las tallas de piedra indias del siglo X y un par de yelmos persas y miniaturas del libro de Shah Nahmed. También se pueden apreciar inros, netsukes y perfumeros diminutos, y una pareja de wayang golek, marionetas populares típicas de Indonesia.

El MNAO, que permanece cerrado al público desde hace diez años, debería contar con una sede propia y funcionalmente adecuada en la que pudiera acrecentar y exhibir sus colecciones para ser apreciadas por el, sin duda, numeroso público visitante.

Visitas guiadas Martes, jueves, sábados y domingos 17,30 hs.







Legado Senta Hohenloje-Iconos rusos y arte del Tibet.







El MNAD recibió en  2009 el legado de la princesa Senta Hohenlohe_Waldenburg consistente en una colección de objetos provenientes de Europa del este y de Asia y  que con el estudio y expertizaje del Dr. Eduardo Tenconi Colonnase presenta ahora al público visitante.


 

Los íconos bizantinos de los siglos XVI al XVIII  proceden, mayormente, de Rusia y Bulgaria, y algunos de Grecia.  Los objetos budistas, provienen de China, Tibet y Tailandia e  incluyen variedad de imágenes, relicarios, campanas, tangkas – murales tibetanos con escenas religiosas- y objetos de altar, además de un par de netzukes japoneses -pequeños objetos tallados en madera, marfil y otros materiales-  que se sujetaban en el cinturón del kimono.

 

La princesa SentaHohenlohe-Waldenbergnació en Budapest en 1926. Forzados por las circunstancias políticas su familia se mudó a Buenos Aires en 1949 afincándose en nuestro país al desaparecer formalmente el Reino de Hungría. Se casó con el Barón Iván Rubido Zichy En sus múltiples viajes por el este asiático, a la vez que aumentaba su pasión coleccionista,  fue profundizando su conocimiento del  mundo budista en sus diversas manifestaciones.

 

Al no tener descendencia donó al Museo Nacional de Arte Decorativola totalidad de las piezas de su colección como muestra de su aprecio profundo por la Argentina y por la ciudad de Buenos Aires que la recibió como expatriada, la albergó como ciudadana y que en un acto final ella devuelve con este generoso gesto como testimonio de su reconocimiento.





2011

Momentos. Ricardo Dagá – Esculturas.



En esta exposición el escultor Ricardo Dagá, quien no presentaba una muestra individual en la ciudad de Buenos Aires desde 1975, recorre las distintas etapas de su obra plasmada en diferentes materiales.

Con piezas que forman parte de sus inicios como artista en 1955, y con otras que no habían sido anteriormente expuestas al público, presenta su camino creativo materializado en piedra tallada y bronce, en chapa batida y cerámica policromada en una propuesta que establece un nexo entre los distintos momentos de su creación que son exhibidos en el Salón de Baile y la terraza del Museo.

Con esta muestra el escultor culmina el año 2011, en el que también presentó su libro autobiográfico “Surcos”, en donde reseña distintos aspectos de su vida de hombre- artista. En esas páginas, el autor indaga acerca del camino que lo condujo a la abstracción y afirma: “No hubo elección. Ni ruptura. En todo caso se trata de un proceso de búsqueda, de querer encontrar algo así como mi ´vocabulario´. Como estar actualizando las problemáticas del arte de siempre pero con un lenguaje contemporáneo”. Asimismo, Dagá sostiene que entre la figuración y la abstracción, en su obra, “no hay ruptura sino una continuidad en la búsqueda de los canales expresivos, de las formas, que me permitan concretar en una escultura aquello que me moviliza”.

Se presenta a consideración del público visitante la producción artística de este notable escultor con la ambientación que ofrece esta magnífica residencia.





Acroteras griegas del siglo XIX Colección Tsitouras

Los elementos ornamentales que se exhiben y que formaron parte de edificios griegos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX fueron reunidos en una colección por el arquitecto e ingeniero griego Vasilis Tsitouras.

La acrotera es un ornamento clásico que se sitúa en los vértices laterales y superiores del frontón de un edificio, tomando la forma generalmente de una palmeta- especie de flor- con hojas estilizadas en número impar- de siete a quince- que descansa en una base de volutas dobles o simples y que , a veces, destaca en su centro una cara antropomórfica.

Las acroteras eran conocidas desde la antigua Grecia; generalmente realizadas en mármol estaban situadas sobre las cubiertas de los antiguos templos, siendo los del Partenón los ejemplares más característicos y notables.

Durante el siglo XIX resurgió esta artesanía ornamental que coincidió con la liberación del dominio turco y el auge del neoclasicismo en Europa y América confirmando no sólo la vitalidad de las antiguas tradiciones clásicas sino también, especialmente en Grecia, el deseo de recurrir a formas artísticas capaces de fortalecer su identidad cultural y la memoria social.

Los visitantes tendrán la oportunidad de conocer algunos aspectos generales del neoclasicismo a través de estos fragmentos arquitectónicos y de fotografías que le permitirán ver como la arquitectura griega tuvo gran influencia en otras culturas.









Cerámicas de Suecia. Diseño 1950. Colección del Museo.

En la década de 1950 se retoma en Europa el ideario ético y estético del movimiento moderno en el que la sencillez, austeridad y economía son características formales y simbólicas aplicadas al diseño.

Los diseños pioneros de la arquitectura industrial de Peter Behrens, de Walter Gropius, fundador de la famosa escuela de diseño Bauhaus en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales a la vez que funcionales; los cursos de diseño industrial cerámico de Max Krehan en los talleres de esta escuela y el principio menos es más predicado por el arquitecto Mies van der Rohe uno de los máximos exponentes del siglo XX junto con Le Corbusier y Gropius , se erigen en los modelos inspiradores para la arquitectura y el diseño de la posguerra.

Dentro de los vaivenes de calidad que se producen en el movimiento moderno, el diseño escandinavo se presenta como un referente indiscutido de categoría destacada: su éxito radica en sus formas sobrias y en la solidez de su factura técnica que estaban en consonancia con la divisa de la época:la forma sigue a la función.

Para las fábricas de cerámica y porcelana del centro de Suecia: _Upsala, Ekeby, Tobo, Gustavsberg, Rörstrand, Simlângsdalen y las del sur Karlskrona, Andersson&Johansson se convocaron a diseñadores con formación artesanal para integrarse a los procesos industriales de producción en serie. Para mencionar algunos: Stig Lindberg y Wilhelm Kage, quienes trabajaron en Gustavsberg y de quienes el MNAD tiene destacadas piezas. También se incorporaron muchas ceramistas y diseñadoras mujeres Ursula Printz, Lisa Larson, Inga-Janson-Swedenborg, etc. todos imbuidos del principio de gratificación por el diseñotan acorde con los principios democráticos de Suecia.

Esta muestra que exhibe obras, patrimonio del MNAD, de destacados diseñadores y ceramistas gratificará al visitante.

Visitas guiadas









Registros cuyanos. Pinturas de Enrique Testasecca.

Esta exposición, auspiciada por la Dirección Nacional de Patrimonio y Museos de la Secretaría de Cultura de la Nación, dentro de su programa de apertura federalista, ofrece al público visitante del Museo Nacional de Arte Decorativo, pintura de paisajes mendocinos vistos e interpretados por el joven artista plástico Enrique Testasecca.

Testasecca observa con fidelidad la naturaleza que lo rodea y la reinterpreta con su particular sinfonía de tonos y veladuras avanzando hacia una síntesis formal y cromática donde montañas y cielo se convierten en franjas aladas o ígneas que se despliegan, majestuosas ante el espectador.

El pródigo paisaje mendocino ha motivado a los grandes maestros que nacieron o vivieron en Mendoza; como Fernando Fader; Fidel deLucía, fundador del Museo Provincial de Bellas Artes, y organizador del Museo de Bellas Artes "Fernando Fader" de Godoy Cruz - Roberto Azzoni, Fidel Roig Matóns, Carlos Alonso, Juan Scalco y otros tantos de los que Testasecca es significativamente continuador.

La magnificencia de los paisajes mendocinos ha sido fuente de inspiración, también para Alfredo Bufano, el poeta que ha cantado a ese paisaje con versos de gran sentimiento. Es por ello que se exhibe en esta exposición el retrato de Bufano que el escultor Agustín Riganelli (1890-1949) ejecutó en mármol y por el que ganó en 1921 el Segundo Premio Nacional y el Primero Municipal del Salón Primavera y que forma parte del patrimonio del MNAD, ex-colección Errázuriz. 

La exposición de pinturas de Enrique Testasecca cierra el programa de las muestras 2010 del Museo y se prolongará hasta fines de febrero de 2011







Porcelana Isabelina. Colección Rafael Ferraro.

De la colección  del Dr. Rafael Ferraro, Académico Delegado en la Provincia de Córdoba de la Academia Nacional de Bellas Artes, se exhibe una selección de piezas conocidas convencionalmente  como porcelanas isabelinas referidas  a Isabel II de España.

Producidas entre 1850 y 1900 les cabe también el nombre de victorianas ya que abarcan el periodo de la reina Victoria de Inglaterra así como  el del Segundo Imperio en Francia. En Argentina, cerca de 1940 se puso de moda la decoración con muebles y objetos de la segunda mitad del siglo XIX, también conocidos como isabelinos o  “coloniales”.

El llamado oro blanco- la porcelana- que en el siglo XVIII estaba destinado al uso de la monarquía y de la nobleza, se convirtió con el correr del siglo en  un material indispensable  para la  burguesía que se afirmaba socialmente. En Inglaterra a fines del siglo XVIII comenzó a sustituirse en su decoración el trabajo a mano por el empleo de la calcomanía, a la que se le  agregaban toques de pincel, contribuyendo esta masificación a la disminución de la calidad y refinamiento de las piezas.

Las cuarenta y seis piezas exhibidas que comparten la forma y decoración estilo rococó, mezclan lo artesanal con lo seriado, lo manual con lo industrial: también se va a exhibir un conjunto de veinticinco piezas legado al MNAD en 1972 por  Sr. Jorge Larco en la que se podrán apreciar las características de este tipo de manufactura en porcelana.

Horario. Martes a domingos 14 a 19 hs.
                Entrada $ 5.- Martes entrada libre
                Cerrado Viernes 22







Dibujos de Rugendas (1802-1858) -Colección Sanz.

Se exhiben de la colección  del embajador Luis Santiago Sanz, obras  de Johan Mortiz von Rugendas (Augsburgo 1802 – Weilheim an der Teck 1858) quien junto con otros documentalistas pioneros dejó registros gráficos que fueron la base de la historia del dibujo y pintura en nuestro país.

Nacido en una familia de artistas, entre 1821  y 1825 Rugendas recorrió Brasil como dibujante de la expedición científica organizada por el barón von Langsdorff; sus trabajos despertaron interés y fueron publicados en una edición: Voyage pittoresque dans le Brésil. Seis años después inicia un segundo viaje a América comenzando en México de donde es expulsado por problemas políticos. Sigue hasta Chile y en los ocho años de permanencia allí se contacta con exiliados argentinos como Domingo F. Sarmiento;  recorre la región chilena de Araucanía haciendo apuntes que son verdaderos documentos etnográficos.

Entre 1837 - 1838 pasa un tiempo en Mendoza y San Juan y en 1845 llega a Buenos Aires alternando su estadía con la ciudad de Montevideo, donde probablemente haya retratado a Mariquita Sánchez de Mendeville,

A pesar de la brevedad de su permanencia en nuestro país,  realizó 300 dibujos, apuntes de tipos y costumbres, tanto en Cuyo como en Buenos Aires. Volvió a Baviera en 1845 y a cambio de una pensión vitalicia cedió gran parte de sus trabajos al patrimonio de la Staatliche Graphische Sammlung en Munich;  otra parte fue destinada al Museo de Arte de Augsburgo; aunque algunas obras quedaron en poder de la familia y de algunos coleccionistas  privados. A través de una descendiente de la familia Rugendas el embajador Sanz adquirió varias carpetas con trabajos que se presentan por primera vez al público y en el Museo Nacional de Arte Decorativo a consideración de los visitantes.









Legado Juan Carlos Ahumada Seré

Exposición de las obras que el Arq. Juan Carlos Ahumada Seré donó al Museo Nacional de Arte Decorativo.

Fundador y activo propulsor de la Asociación Amigos del MNAD, desde su creación fue dos veces Vicepresidente 1964 a 1977 y desde 1999 hasta 2009  y su Presidente desde 1977 a 1999 tomando a su cargo la concreción y montaje de importantes colecciones y en la gestión de donaciones y adquisiciones de muchas de las piezas que se fueron integrando al acervo del Museo.

Durante su vida enriqueció el patrimonio con una tabla de la Virgen, el Niño y San Juan Bautista , de fines del Quattrocento y una colección de péndulos de relojes franceses de ormoulu y bronce de los siglos XVII a XIX; además en su testamento, falleció en Noviembre de 2009, legó al Museo una valiosa araña rusa de la época de Catalina II, un conjunto de sillas y sillones franceses del siglo XVIII, tres notables fuentes de porcelana esmaltada de Bernard Palissy, un conjunto de platos, jarros y albarelos del barroco italiano y medallas, candeleros y ciriales europeos de diversas procedencias regionales.

Es un merecido homenaje del Museo Nacional de Arte Decorativo a la memoria de este generoso benefactor.







Los Talleres del Museo

Exhibición de los trabajos realizados por los alumnos  que asistieron en 2010 a los Talleres del MNAD.



Paula Modersohn-Becker y los artistas de Worpswede.

En el Museo Nacional de Arte Decorativo se presenta esta exposición organizada por el Institut für Auslandsbeziehungen e.V. (ifa)/ -Instituto para las Relaciones con el Extranjero- a través del Goethe-Institut Buenos Aires.

Las obras de Paula Becker (1876 -1907) poco conocidas fuera de los países germanófonos, ponen de manifiesto su importante papel como integrante del expresionismo alemán.

Originaria de Bremen, formó parte de un movimiento que predicaba el retorno a la naturaleza y a los valores simples de los campesinos. Este grupo de artistas independientes se asentó en forma transitoria en 1889 en Worpswede -a 20 Km. de Bremen - que luego convirtieron en su residencia permanente. El poeta Rainer María Rilke lo describe como un pintoresco paisaje cerrado al mundo exterior en medio del llamado “pantano del diablo”, en el que sus habitantes, con el rostro marcado por el duro trabajo de la extracción de turba, inspiraban a este grupo con su imagen de campesinos en estado puro, no contaminados por la civilización.

De familia acomodada, Paula Becker desarrolló un estilo original producto de múltiples influencias; cree en Cézanne, van Gogh o Gauguin pero no para imitarlos, sino que sus estilos refuerzan su búsqueda de una naturaleza interior, propia. Como en Alemania predominaba el arte académico que ella rechazaba, se trasladó a París – centro de apertura e innovación artística- viviendo varias temporadas en esta ciudad.

Fallecida prematuramente a los 33 años, Heinrich Vogeler - amigo de su marido el también artista Otto Modersohn- tuvo un activo papel en la difusión póstuma de las obras de esta pintora. En 1927 se abrió la Casa Paula Becker Modersohn, en Bremen, con el mecenazgo de Ludwig Roselius, en el que se exponen una selección de sus mejores creaciones despertando un mayor interés por su obra.

En esta exposición se exhiben grabados y dibujos de esta creadora. Se complementa con obras de otros de sus colegas de la Worpswede y con dibujos de Otto Modersohn y gráficas de Hans am Ende, Fritz Mackensee, Fritz Overbeck y Heinrich Vogler de los años 1895 hasta 1905.

Visitas guiadas









2010

Proyecto Bicentenario 2010 - Junio

El objetivo principal del proyecto -elaborado por elDepartamento de Museología del MNAD en base a la investigación de piezas de la colección permanente del Museo y otros registros documentales - es la recuperación del diseño de la decoración original del dormitorio y la sala de baño del Sr. Matías Errázuriz Ortúzar, para que el público pueda acceder a la ambientación ideada en 1916 por André Carlhian y el propio Errázuriz. 

El Poder Ejecutivo Nacional en 1936, nombró una comisión tasadora para la adquisición de la residencia Errázuriz Alvear con el propósito de crear el MNAD y que llevó a cabo un inventario de los bienes muebles existentes. En él figura, bajo el título “Dormitorio y Antichambre del Señor”, una cama, una cómoda-escribanía, dos mesas de arrimo, sillas y un par de camoncillos de madera de jacarandá, estilo Don José I de Portugal, realizados en el Río de la Plata durante la segunda mitad del siglo XVIII, emulando los diseños de la corte portuguesa. Los muebles correspondientes a la época del rey Don José I de Portugal (1750-1777), son la expresión lusitana, es decir, la versión portuguesa del rococó francés. Estos muebles se complementan estilísticamente con el diseño arquitectónico Luis XV de la boiserie de roble lustrado, proyectada tomándolos como referente. 
A mediados del año 1937, el Dr. Ignacio Pirovano, primer Director del MNAD firma un nuevo listado detallado del contenido del salón que confirma y completa el inventario del año anterior. También en el archivo del Museo, se encuentran los planos de la arquitectura interior dibujados por Carlhian y copias de los presupuestos de la construcción de la mansión cuyos originales de los registros de la Casa Carlhian-Beaumetz, se encuentran actualmente en el Museo Getty en Malibú, California. En 1940 la decoración original del cuarto fue modificada: los muros fueron pintados color marfil y el moblaje fue estibado en la reserva patrimonial. En el año 2009 se han comenzado a revertir estas intervenciones y la boiserie del cuarto ha recobrado su aspecto original. Es recurrente el motivo ornamental de veneras o conchas de mar, aplicado en el remate del trumeau de la chimenea, los herrajes de las ventanas, las sillas, en los marcos de ciertos cuadros, etc. 

Las veneras, simbolizan en el cristianismo, las aguas bautismales, aunque también eran la insignia de los peregrinos que acudían desde toda Europa a Santiago de Compostela.
Los inventarios originales detallan una selección de pintura religiosa europea de los siglos XVI y XVII. Se destacan, La Virgen con el Niño y San Juan Bautista, óleo del español Luis de Morales “El Divino” (c.1500-1586) y Jesús Crucificado, óleo de Mateo Cerezo (1626-1666), también de la escuela española. El proyecto de rehabilitación de este sector del edificio incluye la antecámara del cuarto Errázuriz, su guardarropa y la sala de baño estilo Luis XVI con muros estucados que imitan mármol; tanto el revestimiento del piso, en damero, y la bañera están realizados en mármoles campan vert y arabescato. 

A lo largo de las distintas etapas se tuvo la colaboración constante de la Asociación Amigos del Museo:, la señora Nelly Arrieta de Blaquier, y la Fundación Banco Galicia y Fundación Hermanos Agustín y Enrique Rocca. Tambièn a Verónica Nutting, Thomas de Luynes, Lucio Boschi a Moscatelli Cornice di Siena y Malknecht Hermanos, a Sherwin Williams, Santino Joyeros y a Juan Garcilazo. También el reconocimiento para el Embajador Argentino en Francia Luis Ureta Sáenz Peña y las sucesivas autoridades de la Secretaría de Cultura de la Nación y de la Dirección Nacional de Patrimonio y Museos.

Curador de la muestra:
Lic. Hugo Pontoriero- Jefe Departamento de Museologia y Museografía MNAD

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María Boneo esculturas.

En el Museo Nacional de Arte Decorativo se exhibe esta muestra de la escultora María Boneo, nacida en Belgrado y que desde 1968 reside en nuestro país. 

Comienza sus estudios en el taller de Miguel Ángel Bengochea y más tarde ingresa en la Escuela Nacional de Bellas Artes, para luego ampliar sus estudios de escultura con Aurelio Macchi. En el año 2000 ingresa al taller del escultor Leo Vinci, con quien se perfecciona en la talla de la madera y el alabastro. En el 2005 concurre a la Statuaria Arte, School of Sculpture, Carrara, Italia. A su regreso concurre al taller de Beatriz Soto García. 

“El ojo y la mano, son el padre y la madre para un artista”; “Mi intención es responder a la placentera sensación que surge de una forma y toma color entre mis manos”, definiciones que la retratan como artista. En su tratamiento del mármol y de la madera vuelca su reinterpretación de la figura humana, especialmente, de la figura femenina. 

Se maneja con líneas que revelan un marcado interés por las obras de dos grandes del futurismo, Archipenco y Boccioni; las líneas envolventes y las texturas contrapuestas de sus figuras son características distintivas de su obra. 

Ha realizado muestras individuales y entre las exposiciones colectivas de las que ha participado se destacan Arteamericas, en el stand de Del Infinito Arte y “Art Yoo”, en Uruguay, (2008), la Sexta Edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Florencia, Italia (2007) y la muestra en homenaje al escultor uruguayo Guillermo Riva-Zucchelli, entre otras. 

Esta exposición permitirá al público visitante ver de cerca en las obras de esta artista el resultado de su “juego con líneas cóncavas y convexas que forman siluetas basadas en luces y sombras, así voy formando mis figuras..” 

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Un siglo de decoración. 25 Aniversario de la Revista D&D.

La Revista de Diseño y Decoración D&D  y la Editorial Primera Línea -responsable de la Revista- junto con el Estudio Otero & Asociados para celebrar sus 25 añospresentan esta muestra en el Museo Nacional de Arte Decorativo  del 2 al 7 de Noviembre que ofrecerá un recorrido por  el último siglo de la decoración
                                                
La exposición será un homenaje al diseño interior del siglo XX -y primeros años del XXI-  desde un enfoque conceptual, que buscara representar de un modo interpretativo diez estadios esenciales de la decoración en nuestro país.

 Para recrear los diferentes periodos D&D y Roberto Otero, ideólogo y curador de la muestra, convocaron a diez profesionales de primera línea: German Carvajal, Marcelo Nougues, Carlos Galli, Jorge Muradas, Juan Azcue, Alfred Fellinger, Gonzalo Bruno Quijano, Laura Brucco, Paula de Elia y Martin Zanotti quienes en los diez stands de la muestra exhibirán objetos y ambientaciones de los estilos más representativos de cada década del siglo XX.





Diseño finlandés del siglo XX Colección Design Museum, Helsinki.

En esta muestra de diseño extraordinaria se pone de manifiesto la visión innovadora del diseño finlandés que ha alcanzado reconocimiento mundial ya que se ha elegido a Helsinki Capital Mundial del Diseño 2012. Las piezas de la exposición pertenecen a la colección del Museo de Diseño de Finlandia.

El romanticismo nacional nacido a principios del siglo XIX como una tendencia hacia los orígenes de la cultura autóctona finlandesa impulsó la investigación en la literatura, la música, las artes plásticas y la arquitectura. Al ir evolucionando a principios de los años 1950 y 60 se acuñó el concepto de diseño finlandés caracterizado por su enfoque práctico y funcional y por su estética asociada a las formas orgánicas y al uso de materiales naturales.

El prestigio del diseño contribuyó también al desarrollo de la industria y de la exportación de los bienes producidos inicialmente para el mercado interno. Los nuevos materiales como el plástico y la fibra de vidrio aportaron formas más dúctiles y de colores más fuertes; luego la ergonomía y la ecología comenzaron a ser incorporados también a los criterios de diseño. En los 80 se renovó el estudio de las propiedades de las maderas y de sus combinaciones con el metal en el mobiliario.

En esta exhibición se pone de manifiesto como se ha ido transformando el diseño con el tiempo a través de cinco perspectivas diferentes: nacional, internacional, por materiales, la naturaleza como tema de inspiración, innovación y forma pura. Entre los diseñadores destacados se exhiben obras de: Akseli Gallen-Kallela, Tapio Wirkkala, Alvar Aalto, Timo Sarpaneva, Oiva Toikka, Eero Aarnio, Ilmari Tapiovaara, Maija Isola, Maija Louekari, Harri Koskinen e Ilkka Suppanen. Las compañías y empresas que participan en esta muestra son: Arabia/Iittala, Fiskars, Marimekko, Nokia, Vivero, Martela, Asko, Vuokko y Metso. La muestra ha sido organizada por la Embajada de Finlandia en Buenos Aires.

En cada grupo se exhiben obras de reconocidos artistas clásicos y pioneros del diseño así como de creadores actuales lo que se pone de manifiesto la vigencia del exitoso diseño finlandés. 

Visitas guiadas









Emilio Patarca, maestro orfebre.

En esta exposición se exhiben obras de este maestro orfebre argentino, nacido en 1956. Se inicia en el oficio a los 14 años y desde 1973 hasta 1978 estudia con el maestro Edgard Michaelsen, se gradúa con honores y con otros maestros de la orfebrería y de las bellas artes continúa su perfeccionamiento.

Desde fines de los años setenta el maestro unió a su producción constante una sucesión de exposiciones en Roma, Nueva York, Lima, Tokio y Hong-Kong, además de dictar cursos, seminarios, ser miembro de jurados y recibir múltiples premios tanto en nuestro país como en el extranjero. Sus obras integran colecciones públicas y particulares en Argentina, Perú, México, Estados Unidos de Norteamérica, Francia, España, Alemania, Holanda y Japón. En el 2006 el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires lo declara “Artífice del Patrimonio de Buenos Aires” considerándolo parte de su “Patrimonio Viviente”.

Entre las varias obras expuestas se encuentra el Mate del Bicentenario, en cuyo proyecto y ejecución participaron un conjunto de investigadores y técnicos. Rico en símbolos el Mate del Bicentenario posee un cuenco de forma ovoide de líneas lisas con su boca sobreelevada que descansa sobre la figura alegórica de La República -esculpida y fundida- con el rostro con rasgos de los pueblos originarios con una antorcha en su mano izquierda; a su lado se destaca el Escudo Nacional grabado y calado en una lámina de oro. 

Las obras expuestas en el Museo Nacional de Arte Decorativo reflejan la rica personalidad de su artífice, así como su dominio de la orfebrería en todos sus aspectos. 









Musica Di Smalto - Mayólicas italianas, siglos XVI al XXI.

En esta exposición se exhiben piezas de la colección del Museo Internacional de las Cerámicas en Faenza que muestran en su forma y decoración la relación entre la música y la cerámica y como ésta a través de los siglos ha exaltado el arte musical y sus instrumentos, vinculándolos a protagonistas bíblicos, alegóricos y otras fuentes de inspiración. 

La mayólica es una cerámica con un acabado vítreo especial y se cree que su nombre deriva de la isla de Mallorca que fue durante la Edad Media un centro importante de este tipo de cerámica. En el Antiguo Egipto y en Siria ya se conocía una cerámica de acabado exterior vítreo que los árabes aprendieron de estas civilizaciones en el siglo X y que difundieron por la Península Ibérica y Sicilia de donde pasó a Italia.

Estas piezas artesanales provienen de Faenza, ciudad del norte de Italia -en la región de Emilia Romagna- célebre por sus cerámicas mayólicas de gran perfección que comenzaron a fabricarse en el siglo XII con un nivel de calidad tal que el nombre de la ciudad es actualmente sinónimo de cerámica en otros idiomas, por ej.: en francés -faïence- y en inglés-faience- en castellano fayenza. Es posible apreciar en los vasos, tinteros, albarelos o jarros de farmacia, platos, fuentes, copas con decoración de partituras, clarines y panderos, Orfeos y Apolos músicos con las líneas y los colores típicos de esta cerámica. 

En la actualidad sus sesenta talleres artísticos activos muestran una vigencia que se sigue renovando con el paso del tiempo pero sin perder por ello su identidad cultural. Por lo cual en esta muestra se presentan obras de autores contemporáneos que con su diversidad de formas y brillante colorido siguen vinculando a una de las artes del fuego con la musa de la música Euterpe- que en griego es “la de buen ánimo” estado que provocará en el visitante esta reducida pero excelente muestra, patrocinada por el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires y que se suma a los festejos del Bicentenario de la Revolución de Mayo.







Gerhard Richter sinopsis

El Museo Nacional de Arte Decorativo presenta esta exposición itinerante de uno de los artistas alemanes contemporáneos más conocidos a nivel mundial, organizada por el Institut für Auslandsbeziehungen e.V. (ifa)/ Instituto para las Relaciones con el Extranjero a través del Instituto Goethe Buenos Aires y con el apoyo de Robert Bosch Argentina Industrial S.A.

La selección de obras de Gerhard Richter lleva el título deSinopsis tomado de un grafico creado en 1998; Sinopsis es un cuadro explicativo en el cual fueron registrados artistas, poetas, filósofos, músicos y arquitectos significativos de acuerdo a la fecha de sus vidas, sin que ello implique una valoración subjetiva. Se destaca el hecho de que el propio Richter de 77 años, al seleccionar los trabajos para esta muestra , lleva a que se la considere una retrospectiva en las que a través de estas 27 obras introduce todas sus fases creativas, desde la pintura fotográfica de los sesenta hasta las pinturas abstractas de los 80 y 90. 

Se pueden apreciar obras destacadas como el conocidociclo 18 de octubre de 1977 en el cual trata la muerte de los miembros de la agrupación alemana terrorista RAF cumpliendo con su condena en la prisión de Stammheim; al mismo tiempo se puede ver el recuerdo de su contribución para el interior del Parlamento alemán en Berlín, en Negro, Rojo, Dorado creada en 1999. El único gran tema de los diferentes motivos, posturas estilísticas y citas históricas de Richter es la pintura cuyo lenguaje y recursos cuestiona en fases de creación aparentemente muy heterogéneas. 

Acompañan esta muestra un catálogo, una película que narra el proceso creativo de una obra de Richter muy particular y que ofrece otro aspecto de su versatilidad como artista: un gran vitral en la catedral de Colonia; así como visitas guiadas. El Sr. Dietmar Elger ofrecerá una conferencia sobre la obra y trayectoria del artista. Hoy en día Gerhard Richter es, junto con Sigmar Polke y Georg Baselitz, uno de los tres artistas alemanes más conocidos a nivel mundial.









Imágenes del Despertar - Arte Budista del Museo Nacional de Arte Oriental

El Museo Nacional de Arte Oriental organiza una muestra sobre Budismo y representación de Buda en el Museo Nacional de Arte Decorativo, Av. del Libertador 1902, en donde se exhibirán piezas pertenecientes a su colección, provenientes de China, Japón, Corea, India y Tailandia.

El Museo Nacional de Arte Oriental, temporariamente cerrado al público, presenta parte de sus tesoros en una exposición sobre el Budismo, sus imágenes y sus prácticas. Divida en cinco secciones, en la primera se explica el concepto de Despertar. Para el budismo, el Despertar es la condición de quien ha alcanzado la Iluminación, es decir, quien conoce la verdadera naturaleza de las cosas.

La segunda sección se ocupa del Buda histórico. Siddartha Gautama, el Buda, nació en el siglo VI a. C. en un reino al norte de India. Fue hijo de un soberano perteneciente al clan Sakya. A la edad de 29 años decidió ir más allá de los muros del palacio y realizó cuatro salidas. En cada una de ellas reconoció el sufrimiento a través de distintas personas: un enfermo, un anciano, un muerto y un monje mendicante. Consecuentemente, abandonó el palacio en busca de la causa del sufrimiento. En la tercera sección se ilustran las diferentesformas de representar a Buda. Comúnmente lleva una aureola o limbo que representa su iluminación. Su vestimenta es un hábito de monje. La Ushnisha o rodete en la cabeza simboliza su gran conocimiento. En la frente, la urna o punto indica su habilidad para comprender todas las cosas. Los párpados entornados son la pureza de los pétalos de la flor de loto y la sonrisa, la serenidad.

La cuarta sección se consagra a los Bodhisattvas, seres destinados a la Iluminación que renuncian a entrar en el Nirvana hasta que todos los demás seres alcancen la Liberación.

La quinta sección, llamada Ser Budista, explica las actividades que realiza un practicante: meditación, acumulación de méritos, peregrinaciones, ofrendas, recitación de mantras, postraciones y reverencias. Dentro de esta sección podrán verse distintos altares: tibetano, japonés y coreano.

Horario: 
Martes a domingos de 14 a 19 hs
Entrada: $5.- Martes entrada libre

Informes: 
Museo Nacional de Arte Oriental

Av. del Libertador 1902 1º piso
C1425AAS Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Tel/ Fax 4801-5988
direccion@mnao.gov.ar









Nodi Italiani -Corbatas con Historia

Exposición NODI ITALIANI.
Corbatas con historia
.

En esta exposición organizada por el MNAD, el Instituto Italiano de Cultura y la Associazione Culturale Colosseum con el auspicio de la Embajada de Italia, se exhibe una colección de corbatas e indumentaria masculina de distintas épocas en la que este accesorio es el protagonista indispensable de la elegancia masculina. 

La corbata es un instrumento de comunicación y manifestación social, es la evolución natural del pañuelo de cuello, que en otras épocas tenía una función protectora. El primer accesorio conocido del guardarropa masculino que se asemeja a la corbata se remonta a la armada imperial de Huang-Ti, soberano del Celeste Imperio que unificó China en el siglo III a.C.; otro antecedente es el focale romano, un paño que el legionario llevaba al cuello en la Roma de Augusto (27 a.C.- 19 d.C.) 

El término “corbata” (antiguamente “corvatta”) se hace derivar generalmente del francés cravate, adaptación de la palabra croata hrvat ya que los pioneros de la verdadera corbata fueron los oficiales del regimiento croata de caballería ligera que llegó a Francia alrededor de 1636, como tropa mercenaria para la Guerra de los Treinta Años. Su uniforme tenía un cuello de muselina o de seda cuyas extremidades terminaban en un moño. 

Del éxito de la croatta nace la corbata Steinkerque (1692): dos vueltas alrededor del cuello de un largo echarpe con las puntas de encaje, con un nudo flojo, las extremidades cruzadas y una de ellas enhebrada en el ojal del saco. Por su originalidad, la corbata fue recibida en París como un símbolo de progreso y de cultura entre la burguesía. 

Ligada inicialmente al mundo político-militar, se transforma luego en el accesorio de un dandi, inspiradas por George Bryan Brummell, figura inglesa de referencia obligada en materia de elegancia masculina. En las cortes del siglo XVIII, además de los encajes blancos comienzan a aparecer lazos azules y amarillos que tenían su significado: el azul era sinónimo de nobleza, el amarillo representaba el poder. A mediados del siglo XIX la corbata roja era de los revolucionarios, negra la de los anárquicos y amarilla de los clericales pero a fines del siglo comienzan a perder su significado político. 

Esta muestra presenta un recorrido ilustrado por la historia, el arte y la moda de la corbata que dejó de lado su utilidad funcional y se fue convirtiendo en un elemento de arte decorativo individual. 

Visitas guiadas









Pierre Mendell afiches

Esta exposición  del multipremiado diseñador gráfico alemán está organizada por el MNAD (Museo Nacional de Arte Decorativo) y la UNSAM (Universidad Nacional de San Martín). Fue presentada en Brasil entre 2007 y el 2009 en San Pablo, Brasilia, Río de Janeiro y Salvador.

Pierre Mendell nació en 1929 en Essen, y estudió diseño gráfico en la Escuela de Diseño de Basilea convirtiéndose en uno de los mayores exponentes de la escuela suiza de diseño. Falleció en Munich en diciembre de 2008.

Desde 1961 con su Studio Mendell &Oberer en Munich – que en el 2000 se transformó en Pierre Mendell DesignStudio- se dedicó a desarrollar proyectos de diseño gráfico y comunicación visual con una claridad que supera cualquier barrera idiomática lograda por su  gran capacidad de síntesis. 
Utilizaba formas directas, colores fuertes y símbolos universales con una simplicidad que equilibra la precisión y la poesía.

Cuando le preguntaban sobre su filosofía de trabajo decía que no tenía ninguna ya que trataba de resolver los problemas de una forma pragmática, buscando soluciones simples para transmitir mejor un mensaje de comunicación  en un mundo inundado de imágenes. 
En sus propias palabras “Un buen afiche debe ser rápidamente visto, rápidamente comprendido y estimular la reflexión”  

Esta muestra de más de 50 afiches creados por Mendell para importantes Instituciones de Alemania en los últimos 30 años está dividida en varios temas: Teatro Nacional de Baviera, Die Neue Sammlung - The International Museum Munich; otras Instituciones y temas sociales; tiene la curaduría de Bebel Abreu y de Juan Lo Bianco. 

Se complementa con visitas guiadas, un video sobre la obra de Mendell, libros sobre su trabajo, catálogos de exposiciones en otros países y libretos de ópera.





2009

Los talleres del museo 2009

En la exposición Los Talleres del Museo 2009 se exhiben los trabajos de los alumnos realizados en los distintos cursos y talleres que tienen lugar en el Museo. 

Talleres de Artes Plásticas: Pintura avanzado; Dibujo y pintura intermedio; Figura Humana I y II; Pintura: técnicas mixtas; Dibujo y pintura básico; Arte en domingo; Paisajes, Pinceles y paseos.

Talleres de Artes Decorativas: Reciclado de muebles y tapicería; Vitrofusión y técnicas del vidrio; Restauración de porcelana; Arte textil.

Cursos: Historia del mueble; Historia del arte y de las artes decorativas.





Le Corbusier. El poema del ángulo recto.

El Museo Nacional de Arte Decorativo presenta esta exposición organizada por la Universidad Nacional de San Martín, la Fundación Le Corbusier de París y el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
Le Corbusier comienza a escribir un libro-arte a mediados de 1947 y lo publica, en una edición limitada, en 1955 como El Poema del Ángulo Recto. Lo sentía una obra de síntesis, de recapitulación de su pensamiento e ideas en torno a la creación artística y arquitectónica. Surge casi naturalmente, como una redefinición global de la esencia misma de la geometría y de su papel en los procesos creativos y cognoscitivos.

La idea de una geometría inherente al espíritu del hombre -geometría natural- la plasma en la metáfora del ángulo recto. La perfección de éste reside en ser el resultado geométrico del encuentro de dos leyes fundamentales: la ley de gravedad que se expresa en la vertical mientras que la horizontal es el plano del suelo terrestre, la línea del horizonte, nivel en el que finalmente se estabilizan las aguas punto de equilibrio en medio del continuo cambio e inestabilidad de la naturaleza.

Le Corbusier manifestó su deseo de que el Poema llegara a un público lo más amplio posible. En cumplimiento de su voluntad, en 1989 la Fundación Le Corbusier realizó una edición facsímilar del libro. La edición castellana -2007- que se hizo para la muestra del Círculo de Bellas Artes de Madrid, respetó escrupulosamente la de la Fundación. Con esta exposición en Buenos Aires, primera vez que se exhibe fuera de Europa, se da a conocer este aspecto de la obra de uno de los hombres más creativos del siglo XX.

La muestra se complementa con la difusión del Poema electrónico que compuso en colaboración con el músico Edgar Varése para el Pabellón Philips de la Exposición Universal de Bruselas en 1958. Según Le Corbusier “el Poema electrónico pretende mostrar, en el seno de un tumulto angustioso, a nuestra civilización en su camino hacia la conquista de los tiempos modernos”. También se estrenará mundialmente la Meditación Coreográfica especialmente compuesta por Oscar Araiz inspirada en El Poema del Ángulo Recto.





Tesoros del Louvre. Esculturas de Houdon.

El Museo Nacional de Arte Decorativo con la participación excepcional del Museo del Louvre y el patrocinio de la Embajada de Francia en Argentina presenta la exposición Tesoros del Louvre. Esculturas de Houdon en la que se exhiben 19 obras del escultor francés Jean Antoine Houdon considerado el mejor de su época por la búsqueda del parecido y la sensibilidad de sus retratados.

Houdon retrató destacados personajes franceses del siglo XVIII como Diderot, Rousseau, Mirabeau, Condorcet, Voltaire. A través de Benjamín Franklin llegó a Estados Unidos de América en 1785 para retratar al entonces presidente George Washington de quien realizó, además de bustos, una escultura de cuerpo entero que se encuentra en el Capitolio de Richmond, Virginia.

No solamente se exhibirán retratos de personajes históricos de relevante actuación en sus respectivos países, sino también de familiares del artista y miembros de la nobleza francesa, así como de otros ámbitos, como el de la cantante Sophie Arnauld en el rol de Ifigenia de la ópera Ifigenia en Aulide de Gluck.

El prestigio de Houdon se mantuvo después de la Revolución Francesa, ya que esculpió los bustos de Necker, Lafayette y Napoleón.
Esta muestra permitirá al público acercarse a obras del patrimonio del Museo del Louvre captando detalles de estas esculturas realizadas por un destacado artista del neoclasicismo en Francia, exposición complementada con visitas guiadas, conferencias de especialistas y conciertos de fragmentos de óperas barrocas francesas.





De Durero a Picasso, cinco siglos de grabados.

En esta exposición De Durero a Picasso. Cinco siglos de grabado la Academia Nacional de Bellas Artes y el Museo Nacional de Arte Decorativo presentan cincuenta grabados pertenecientes a una colección privada.

Se podrán apreciar obras del siglo XV, entre otras, de los alemanes Alberto Durero (Albrecht Dürer) y Lucas Cranach; del siglo XVI planchas de Lucas Vorsterman, Teodoro Bry, etc; del siglo XVII Wenzel Hollar, Claudio de Lorena (Claude Gellée Le Lorrain); del XVIII obras del alemán Georges Schmidt; del japonés Utamaro y del español Francisco de Goya y del siglo XIX trabajos de Honoré Daumier, Henri Toulouse- Lautrec y Pablo Picasso.

El proceso del grabado es artesanal: el artista trabaja en la confección de una matriz para poder trasladar al papel su obra cuantas veces desee. Según el material de la matriz difiere el procedimiento a emplear. En el grabado en hueco el grabador raspa la matriz de metal con el buril -tallado dulce- , o a punta seca, y en las tallas abiertas deposita la tinta para que con una fuerte presión se traslade luego la imagen al papel como en la obra de Alberto Durero El Hijo Pródigo entre los cerdos (1496) trabajada con buril con bordes recortados.

En el grabado en relieve el material clásico es la madera, de allí su nombre de xilografía. El artista deja en relieve las líneas de la composición y excava en la matriz los blancos de la imagen; se exhiben xilografías como El Evangelista de Lucas Cranach, el Viejo, de 1540 o la obra de Kitagawa Utamaro de 1753.

En el tallado por medio de ácidos el más clásico es el aguafuerte: el artista coloca sobre la plancha ácido rebajado con agua –aguafuerte- en las partes que desea trabajar y protege las demás con barniz. De Rembrandt H. Van Rijn, que según algunos críticos lleva al límite el aguafuerte y la punta seca, se exhibe El Gran Coppenol (1658) grabado al aguafuerte, retrabajado y retocado a la punta seca y buril.

De la serie Los Caprichos, primera serie de grabados del Francisco de Goya, compuesta por 80 aguatintas combinadas o no con aguafuertes con repaso de buril o punta seca, se exhiben el Nº 14- Qué sacrificio- y el 49- Duendecitos.

Del siglo XIX litografías a punta seca de Henri Toulouse- Lautrec; L´Argent, programme de Théatre -1893- y de 1898 Le Peintre Graveur Charles Maurin y Tristan Bernard y la litografía de Pablo Picasso Peintre et son modele IIde 1964.

Esta exposición no es sólo una variada secuencia histórica, sino también un homenaje a los artistas grabadores y a su mundo , a la vez que permite ver la evolución de las imágenes y técnicas del grabado entre los siglos XV y XX.







Vidrios Firmados - Francia e Italia, Siglos XIX y XX - Colección del Museo

La serie de vidrios franceses firmados presenta -entre otros núcleos temáticos- modelos de vidrio prensado incoloro y transparente, de fabricación en serie con imágenes de la arquitectura emblemática de París o de personajes históricos de Francia. Se pueden apreciar también algunas piezas de cristal de Baccarat, manufactura radicada desde 1764 en la localidad homónima y que tomó un mayor impulso a partir de 1816 alcanzando un gran prestigio consolidado durante las exposiciones de París de fines del siglo XIX y la de Artes Decorativas de 1925.

Inspirados por el resurgimiento de los métodos antiguos del trabajo en vidrio, los artesanos comenzaron a crear hacia 1880 nuevas propuestas en reacción a los vidrios producidos en serie. Entre 1890 y 1910 la mayoría de las creaciones se incluyen en lo que dio en llamarse art nouveau en el que se exaltaban las formas esbeltas y sinuosas, los colores exóticos y el tornasol de las superficies. En la exposición de París de 1925 surge formalmente el art déco, que busca el equilibrio entre la libertad expresiva y un retorno al orden geométrico y a la restricción ornamental.

De René Lalique, inicialmente diseñador de joyas art nouveau pero luego volcada su imaginación creativa al vidrio, se presentan piezas transparentes, opacas, pulidas y satinadas, algunas de ellas coloreadas en la masa y varias con aplicaciones en relieve. Se podrán apreciar también obras de François Emile Décorchemont; Marius Sabino, y Marcel Goupy.

Diseños italianos de fines del siglo XIX hasta vidrios de la década de 1950, que comparten con sus contemporáneos escandinavos el objetivo de la adecuación utilitaria con la silueta esbelta, completan esta colorida e importante muestra de una de las llamadas “artes del fuego”.







Silke, Los arcanos en seda

En esta exposición Los Arcanos en seda se exhiben una serie de tapices inspirados en los Arcanos recreados por Silke, artista plástica multidisciplinaria.

La palabra arcano significa conocimiento secreto; la llave secreta que permitía comprender el “para qué” del camino que se transita por la vida.
En muchas culturas antiguas encontramos los Arcanos expresados en imágenes simbólicas según cada cosmovisión. Para el psicoanalista suizo Carl Gustav Jung son imágenes arquetípicas -imágenes oníricas y fantasías universales- que están presentes en distintas religiones, mitos, leyendas, etc-.

Los Grandes Arcanos o Arcanos Mayores como El Mago, La Suma Sacerdotisa; El Sumo Sacerdote; El Juicio, La Torre, etc. –que aparecen en el Tarot- son reinterpretados a partir de la vivencia profunda que estos simbolismos producen en Silke y son plasmados en una colorida y llamativa exhibición de 22 tapices que forman parte de la 5ª Bienal de Arte Textil que se desarrolla en la Ciudad de Buenos Aires







Tramas Contemporáneas - 5ª bienal internacional de arte textil

En el marco de la 5ª Bienal Internacional de Arte Textil, que se llevará a cabo simultáneamente en varios museos y centros culturales de Buenos Aires, evento organizado por World Textile Art de Miami entidad que desde hace doce años se dedica a presentar Bienales en distintas ciudades con el objeto de alentar y promover las expresiones contemporáneas del arte textil de Latinoamérica, el MNAD presenta la exposición Tramas contemporáneas.

La diversidad de propuestas técnicas y de repertorios temáticos queda muy bien expresado en la obra de las ocho artistas que presentan sus obras en nuestro Museo: Isabel Polikowski Ditone, Rosa Arena, Virginia González, Sabina Wicki, Mirta Zak, Ana Zlatkes, Flora Sutton y Laura Ferrando. Cada una de ellas ha sabido crear formas nuevas con imágenes y contenidos cargados de estética contemporánea.

Además de las propuestas de estas artistas se podrán apreciar los tapices europeos medievales y renacentistas de nuestro patrimonio, expuestos en el Gran Hall de la Planta Principal y en la Galería de los Tapices del Primer Piso y se podrá visitar la exposición Los Arcanos en Seda con tapices realizados por la artista plástica Silke.









2008

Lucrecia Moyano - vidrios | Diseño Argentino 1950 | Colección del Museo

Lucrecia Moyano - Vidrios Diseño Argentino 1950 | Colección del Museo
4 de Diciembre 2007 - 9 de Marzo 2008

Esta artista, que incursionó tanto en el diseño del vidrio como en el de las alfombras, siempre proyectó su visión vanguardista independientemente del material al que se dedicara. 
Compartió el mundo brillante de la cultura argentina de la época de Butler, Basaldúa, de las Ocampo, de Borges. En esa época produce obras llenas de cualidad mágicas: brillos, transparencias y opacidades ; si bien sobresale el elemento decorativo también aparece el objeto práctico como jarras y vasos.

El vidrio hace 5000 años que acompaña al hombre; apareció en la Mesopotamia y sus primeros recipientes datan del 1500 a. C. Durante mucho tiempo fue un objeto de gran lujo . Antes cada recipiente se moldeaba en torno a un centro de adobe o de arena que se recubría de vidrio, hasta que en siglo I los fenicios descubren la caña de soplar que se usa hasta la actualidad. Los venecianos del siglo XII inventan el cristal, lograron decolorar el vidrio, hacerlo translúcido y transparente. La República encierró a los artesanos en la isla de Murano para preservar ese secreto; algunos lograron eludir el cerco y se instalaron en Bohemia, Francia, Holanda y empezó así la producción del vidrio en estos lugares .En Inglaterra George Ravenscroft incorpora el plomo a la mezcla y con ello consigue el vidrio completamente transparente, brillante y cristalino 
Con la industrialización de los modos de producción de principios del siglo XIX el operario industrial reemplaza al artesano vidriero, cuya técnica de soplado de vidrio va quedando relegada. En el siglo XX, se destacan Emile Gallé, Louis Confort Tiffany y René Lalique que como artistas, diseñadores y propietarios de sus propias fábricas lograron piezas de maravillosa factura.

Pero el soplado del vidrio por el propio artista fue realizado por pocos , entre ellos Sala y Marinot (Maurice) en París. Marinot fue un artista que viniendo de la disciplina de la pintura, incursiona en el vidrio en forma completa llegando a dominar la técnica en todos sus aspectos.

La influencia de Marinot sobre Lucrecia Moyano es importante. Ella ingresa a trabajar en Rigolleau, habiendo estudiado pintura pero autodidacta en vidrios.Rigolleau surge en 1882 fundada por León Rigolleau que había creado en Angulema, Francia, una fábrica de vidrio para realizar tinteros .Su hijo Gastón Fourvel Rigolleau creó la fábrica de vidrio en la Argentina ;en 1906 la instala en Berazategui y su hijo León Fourvel Rigolleau crea en 1932 la sección artística y nombra en 1934 a Lucrecia Moyano como Directora Artística.

También fue la primera diseñadora de alfombras de vanguardia en nuestro país siendo Diseñadora Artística de Dándolo y Primi, 20 años después de haberlo sido en Rigolleau , incursionando también en el diseño de mobiliario e interiores. El MNAD tiene más de 80 vidrios de Lucrecia Moyano que permitirán apreciar en toda su dimensión la calidad de esta artista excepcional.







Los Talleres del Museo 2008

Exhibición de los trabajos realizados por los alumnos de los distintos Talleres que se llevan a cabo en el MNAD.

Talleres de: Alfombras de arraiolos, Arte textil, Arte en Domingo: dibujo y pintura, Figura humana I y II, Pintura: nivel básico - intermedio - avanzado, Pintura: técnicas mixtas, Reciclado de muebles y tapicería, Restauración de porcelana, Vitrofusión y técnicas del vidrio.

También se proyectará un power point del Curso anual Historia del Mueble.





Coleccionables y Coleccionistas | Edición 2008

EXPOSICIÓN COLECCIONABLES Y COLECCIONISTAS | EDICIÓN 2008

26 de Setiembre – 23 de Noviembre

Esta exposición, organizada por el Museo Nacional de Arte Decorativo y la Asociación Amigos del Museo, tiene como finalidad estimular en el público la apreciación de los objetos de artes decorativas cuya belleza radica tanto en la armonía de las formas como en su integración con el entorno.

El Museo Nacional de Arte Decorativo presentará carnets de baile que pertenecieron a la colección de doña Josefina de Alvear de Errázuriz, antigua dueña de la residencia; y de la colección Torre Bertucci perfumeros de cartera ingleses y franceses del siglo XIX, relojes de bolsillo franceses y suizos del siglo XIX piezas que actualmente son patrimonio del Museo.

Las colecciones privadas estarán presentes con: abanicos antiguos; péndulos franceses de bronce de los siglos XVIII al XX; figuras de monos de porcelana Meissen del siglo XIX; piedras duras de origen chino; tallas de marfil del Buen Pastor y de Cristo realizadas en Goa (India) en los siglos XVII y XVIII; cernidores de plata francesa e inglesa; barcos de juguete de la primera mitad del siglo XX, antiguas herramientas de ebanistería y flippers o pinballs de las décadas de los ’60, ’70 y 80.

Como en el año 2006, se presentarán las colecciones ganadoras del Concurso “Premio MNAD al coleccionismo – edición 2008”

La muestra se complementará con un ciclo de conferencias y visitas guiadas que enriquecerán la apreciación de la misma.


RESULTADOS DEL CONCURSO PREMIO MNAD AL COLECCIONISMO - Edición 2008:

Categoría A (hasta 39 años al 15 de agosto de 2008):

Primer premio:

Pablo Eduardo Massolo, 32 años, Colección de Cascos…

Categoría B (a partir de los 40 años)

Primer premio:

Raúl Horacio Álvarez: Colección de tapas de discos LP de vinilo, de 33 rpm.

En esta categoría, y en atención a la calidad de las colecciones presentadas, el Jurado decide otorgar Menciones honoríficas a:

Pedro L. Baliña, Colección de calientapiés de cerámica.
Darío Isaac Roitman, Colección de sellos para lacre.

Agradecemos la participación de los coleccionistas que con gran entusiasmo acompañaron esta propuesta y compartieron su historia y sus tesoros con nosotros. ¡Hasta la próxima edición!









La era de Rodin

LA ERA DE RODIN
12 de Julio a 16 de Setiembre.

Esta exposición itinerante de escultura francesa del siglo XIX incluye obras de Auguste Rodin, de Louis Ernest Barrias, Emile-Antoine Bourdelle, Jean Baptiste Carpeaux, Albert Ernest Carrier-Belleuse, Camille Claudel, Charles Cordier, Alexandre Falguière, Jean León Gerôme, Hiram Powers, Pierre Auguste Renoir, etc pertenecientes alMuseo Soumaya de la Fundación Slim , de México, algunas piezas al Museo de Arte de Ponce (MAP) de Puerto Rico, además de dos obras del Museo Nacional de Arte Decorativo.

Recorriendo las obras de Rodin, de sus maestros y de sus  discípulos, se toma conciencia de la fuerza revitalizadora  que supieron imprimir a sus creaciones y cómo, a pesar de las críticas de su tiempo, fueron  capaces de trascender las fronteras temporales y geográficas. Como la mayoría de los escultores del siglo XIX,Auguste Rodin (1840-1917) era un magistral modelador de arcilla y  dirigió el más importante taller de escultura integrado, entre otros, por modeladores, encargados de la elaboración de yesos para los vaciados en bronce, por pasadores que tallaban los mármoles a un nivel próximo al terminado y  otros colaboradores que  realizaban las  versiones  en diferentes tamaños de su obra. Además, Rodin hizo fundir sus obras por los más renombrados broncistas de su época.

En su  testamento lega la  vasta experiencia adquirida:

...”Jóvenes que quieren ser oficiantes de la belleza, quizás les guste encontrar aquí el resumen de una larga experiencia.....Al modelar, jamás piensen en superficie sino en relieve. Que su espíritu conciba toda superficie como la extremidad de un volumen que lo empuja por detrás. Imaginen las formas como levantándose hacia ustedes. Toda vida surge de un centro, luego germina y se expande de adentro hacia afuera. De la misma manera, en la escultura bella se adivina siempre un poderoso impulso interior...

 Al recorrer esta notable  muestra organizada desde el Museo Soumaya y al participar del nutrido programa de extensión cultural que la complementa,  se pondrán en evidencia estas emociones enriquecedoras para el público visitante.

Visitas Guiadas:
Martes a Domingos 16 y 17,30 hs.





Marcial Berro - Diseños | Objetos del deseo.

MARCIAL BERRO
Diseños
Objetos de Deseo

1 º de Agosto – 14 de Septiembre

En esta exposición podremos apreciar la calidad de los trabajos realizados por este diseñador argentino, nacido en La Plata.

En 1970, Berro después de haber incursionado en Buenos Aires en otras actividades artísticas: actuación en teleteatros, y en el Instituto Di Tella. Se afincó temporalmente en Nueva York, decidido a diseñar alhajas con plata y piedras semipreciosas; Andy Warhol fue el primero en comprar sus creaciones.

A partir de 1980, ya en París, estudió las modas del pasado y se dedicó casi exclusivamente a diseñar para nombres prestigiosos como Yves Saint-Laurent o Karl Lagerffeld.

Él combina en una joya, lo serio y lo frívolo; despierta en la imaginación la idea de un texto, de una novela, o de una aventura. Para este diseñador no hay jerarquías en los materiales ya que todos son nobles: el cuero, el zinc, el plástico, el cuero, el plomo; lo que los diferencia es la idea de su realización.

Paulatinamente se dedica también a la realización artesanal de objetos y de muebles. Sus muestras de alhajas, muebles, u ornamentos de gran formato que incluyen espejos, se han llevado a cabo en prestigiosas galerías de arte y en el Centro Pompidou. A fines de la década del 80 realizó trabajos en cristal y plata para vajillas y utensilios de lujo de la manufactura de cristales Baccarat.

En esta muestra se podrán apreciar sus magníficos diseños en los más variados materiales y para diversos usos llevados a cabo por los mejores artesanos.



Semana de la cultura Húngara

Vida y obra de Sándor Márai
10 al 16/6

Exposición gráfica de la vida del periodista y escritor húngaro del siglo XX.
Sándor Márai (1900-1989), durante la década de 1930, adquirió un gran prestigio por su prosa de estilo realista que lo llevó a ser equiparado con Thomas Mann y Stefan Zweig. Después de la ocupación soviética de Hungría, abandonó su país en 1948 y se instaló en EE.UU. En sus novelas analiza la decadencia de la burguesía húngara:Divorcio en Buda, El último encuentro, La herencia de Eszter. Además de sus novelas escribió libros de memorias que retratan las convulsiones sufridas en Hungría durante la Primera Guerra-Confesiones de un burgués- o con las invasiones nazi y luego soviética en !Tierra, tierra! Se suicidó en San Francisco, California, en 1989.





Motos Clásicas 1900-1950

Desde el 14 de Abril se encuentra en exhibición la muestra Motos Clásicas 1900-1950, selección de 30 motos de colección cuyos modelos se produjeron entre los años 1904 y 1950.







Fiesta barroca en Italia. Trajes cortesanos del Siglo XVII

Fiesta Barroca en Italia. Trajes cortesanos del Siglo XVII. 
18/3 al 25/5


La exposición que se exhibirá desde el 18 de Marzo al 25 de Mayo, fue organizada en forma conjunta con la Embajada de Italia y el Instituto Italiano de Cultura y se propone revivir un fastuoso momento del pasado.

Los suntuosos vestidos de ceremonia para las grandes fiestas en las Cortes italianas y los elementos decorativos creados para esas ocasiones fueron recreados por King Studio de Italia, en un proyecto que nació en 1989 para impactar, emocionar y maravillar al público de hoy, tal como sucedía con los huéspedes nobles y protagonistas de las fiestas de la corte en esa época.

El cuadro de F. Gagliardi y F.Lauri ”Carosello a Palacio Barberini in onore di Cristina di Svezia” , actualmente en el Museo de Roma, representa el festejo realizado en homenaje a la Reina Cristina de Suecia durante el carnaval de 1656. Este ejemplo típico de fiesta barroca fue la idea base sobre la que se desarrolló esta recreación.

La fiesta en la Corte, con sus ingresos triunfales, escenas alegóricas, danzas, torneos y desfiles con trajes, representaba un momento muy complejo de la cultura del período Barroco - principios del siglo XVII a mediados del siglo XVIII

El lento andar de los jóvenes nobles elegidos por sorteo para sostener el baldaquín que destacaba al huésped de la fiesta, las damas nobles con sus vestidos suntuosos, los representantes del clero, la esposa del anfitrión con su traje de ceremonia (con inmensa falda y cola), el grupo de bailarinas con sus deslumbrantes ropas de actuación y los caballeros en sus caballos adornados con lujo, configuraban un espectáculo grandioso ayer y que hoy , en parte, podemos vislumbrar recorriendo esta muy interesante exposición.

Visitas guiadas: (A partir del 25/3) | Trajes de Fiestas Barrocas
Martes a Domingos 17,30 hs.

Horarios: Martes a domingos 14 a 19 hs. 
Martes entrada libre

Viernes Santo cerrado









2007

Historias de Moda | Trajes de época 1917-1937

Carminne Dodero
Historias de Moda | Trajes de época. 1917-1937

El tema central de esta exposición será el vestuario del período 1917-1937.  Se exhibirán prendas y accesorios de hombre, mujer y niño,  de colecciones particulares diseñados por Elsa Schiaparelli, Maison Lanvin, Paul Poiret, Mme. Jeanne Paquin, Maison Lucien Lelong, Maison Chanel, Maison Hermès y Cartier de Paris y Henriette de Buenos Aires. También se verán libreas y uniformes de casas particulares porteñas confeccionados por Belle Jardinière - Paris.





Pablo de la Riestra

Dibujos de arquitectura histórica alemana

Pablo de la Riestra es desde hace años docente de la Universidad de Heidelberg y profesor invitado de la Universidad Nacional de Rosario y de la Universidad de Sao Pablo.
Su especialidad es la historia de la arquitectura alemana, en particular el gótico.
Su actividad como historiador estuvo ,desde un comienzo ,acompañada por las disciplinas dibujo y fotografía, entendidas como parte integrante de la arquitectura. 





Cabezas Argentinas

Cabezas Argentinas. Colección del Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata

21 de Septiembre al 21 de Octubre

Los veinte retratos en bronce que se exhiben son obra de prestigiosos escultores argentinos que nacieron, en su mayoría, a fines del siglo XIX y trabajaron en la primera mitad del siglo XX. El conjunto resultante despliega un amplio espectro de fisonomías y caracteres y posee un singular interés iconográfico, artístico y documental.





Fotografía subjetiva

La contribución alemana- 1948-1963

Esta muestra del Instituto para las Relaciones con el Extranjero /Alemania (IfA) y del Goethe-Institut de Buenos Aires, presenta 165 trabajos de fotógrafos alemanes como Otto Steinert, Monika von Bach, Hermann Claasen, Robert Häusser, Peter Keetmna, Adolf Lazi, Herbert List, Stefan Moses, entre otros.


El término fotografía subjetiva fue utilizado por Otto Steinert como fórmula para caracterizar las exposiciones que él organizó en los años 1951, 1954/55 y 1958. Se refería, específicamente a un tipo de fotografía contemporánea en blanco y negro, que privilegiaba la forma sobre el contenido.Lo contraponía a la "fotografía ortodoxa" que definía como objetiva y dedicada a la reproducción de imágenes genuinas de los objetos fotografiados.

Lo de subjetivo está asociado con un retorno a la "nueva fotografía" introducida en 1930 por fotógrafos de la Bauhaus y pioneros de la fotografía experimental que fue calificada como "arte degenerado" en 1933 al asumir el poder el nacionalsocialismo.





4 siglos de ilusionismo, Historia gráfica y visual de la magia, colección Pacheco

4 SIGLOS DE ILUSIONISMO, HISTORIA GRAFICA Y VISUAL DE LA MAGIA, COLECCION PACHECO

8 de Junio – 5 de Agosto

Durante siglos el Arte de la Magia ha evolucionado desde las supercherías y trucos realizados por brujos hasta los más sofisticados actos escénicos actuales.

La magia moderna surge en el siglo XIX con el francés Robert Houdin quien fue inspiración paraHarry Houdini cuyo nombre artístico significa “como Houdin” un tributo al que consideraba el  mago más grande de la época.

El período entre fines del siglo XIX y principios del siglo XX es considerado la “Era de Oro” de la magia de escenario; los grandes exponentes del Arte de la Magia, con un fuerte espíritu de competencia entre ellos, recorrían el mundo con sus ilusiones, asistentes y escenografías.

La Colección Pacheco de objetos de magia incluye piezas únicas como el primer libro editado en inglés de 1584 y el  primero en castellano del año 1733 además de 300 posters litográficos, diseñados y editados entre 1890 y 1950, de los que se exhibe una selección, así como obras  de Jules Chéret, padre del poster moderno.

Esta exposición, inédita  ya que nunca se ha exhibido públicamente, es una historia gráfica y visual de la magia: afiches, programas,  aparatos, juguetes, libros, manuales y cajas de magia a la vez que  un tributo al eximio Fu Manchú.









La cultura tradicional croata

Esta exposición muestra la cultura tradicional croata a través de objetos seleccionados en museos etnográficos y otros museos afines, reunidos desde fines del siglo XIX y durante todo el siglo XX: trajes típicos y elementos textiles, objetos caseros, manualidades, armas de adorno, joyas, juguetes, instrumentos musicales, etc.

En esta muestra están representadas las cuatro regiones de Croacia: la región costera, la montañosa, la central y la región llana que se diferencian entre sí no solamente por sus características naturales sino que se  distinguen por  las influencias que han recibido del mundo mediterráneo, de los Balcanes y del centro de Europa además de lo que  tomaron de los antiguos habitantes no eslavos.

Cada una de estas áreas está representada en la exposición en forma separada por la disposición de los objetos expuestos, las fotografías y las proyecciones de video.

Esta gran variedad no divide la cultura tradicional croata sino que por el contrario demuestra la capacidad de este pueblo para responder creativamente a las distintas influencias.





Una antigua tradición criolla: Alfombras de bordo

 

Obras de Clara Díaz
6 de Febrero al 25 de Marzo

En la que se exhibirán las  alfombras realizadas por   la artesana cordobesa Clara Díaz, según la técnica de bordo palabra que significa montículo o elevación.

 

Tuvieron en su origen dos destinos: cubrir los estrados donde se reunían las mujeres a conversar y a efectuar sus labores,  y el de cubrir también los pisos cercanos a los altares ofreciendo no sólo su calidez sino también protección para las rodillas de los fieles.

 

En América virreinal su uso refleja el interés por imitar el estilo y la forma de vida europea;  al gusto hispano-árabe por las alfombras y tapices  se suma  una fuerte tradición  textil prehispánica. A partir del siglo XVII, sobre las decoraciones geométricas aparecieron motivos florales y ornitológicos americanos y se desarrolló así  un estilo barroco mestizo alrededor de la zona cuzqueña que fue descendiendo luego hacia el sur hasta el centro de Córdoba, núcleo de la economía jesuítica y de la producción lanera de esa época.

Desde su casa de Maza Sacate, al oeste de Ischilín, Clara Díaz nos permite apreciar en los 24 tapices de piso, tejidos en relieve con aguja fina,  la maestría tradicional de un  oficio que pasó de los claustros a los hogares. Sobre el soporte del canavá o la arpillera recorta en papel de diario y ubica las flores, mariposas, pájaros, tigres, etc. trabajando el fondo en punto cruz para luego bordar en relieve, mezclando los colores y enmarcando los motivos del “bordo” específico en  diámetros que oscilan entre 4 y 6 m2 en los que podemos apreciar  toda su fértil imaginación







2006

Navideña

1º AL 17 DE DICIEMBRE

- Exhibición del Libro de Horas de la Virgen- Manuscrito sobre pergamino . Taller del Maestro Francois, París Francia. Siglo XV.

El Libro de Horas es un manuscrito de oraciones religiosas que los cristianos de la Edad Media y del Renacimiento practicaban, en forma privada, en determinadas horas del día para alabar a Dios.
Eran usados por la nobleza, atesorados en las bibliotecas y mencionados en los testamentos.Eran obsequiados a las novias como presente matrimonial y quedaron identificados con el mundo femenino. Obras de arte símbolo de estatus en su momento hoy son piezas de colección.Fué comprado en París, en 1911 por Dn. Matías Errázuriz.

- Exhibición de mesas decoradas con motivos navideños presentadas por el Centro de Pintores sobre Porcelana.

- PROGRAMA DE COROS NAVIDEÑA 2006 - 18 Hs. Entrada libre y gratuita
Bono contribución voluntario

Viernes 1 - Coro del ´99
Director Maestro Néstor Andrenacci

Sábado 2 - Coro Juvenil de San Justo
Directora Maestra Silvia Leonor Francese

Domingo 3 - Coral Pilar - St. John’s
Director Maestro Rodolfo Diorio

Jueves 7 - Coro Cantando en Sol
Directora Maestra María Constanza Fautario

Viernes 8 - Coro Polifónico Asociación de Médicos del Hospital Italiano
Directora Maestra Marta Monteleone

Sábado 9 - Coro Juvenil de la Municipalidad de Hurlingham - Coro Estable de la Municipalidad de Hurlingham 
Director Maestro Diego Alfredo Perez

Domingo 10 - Collegium Musicum
Directora Maestra Silvia Pérez Monsalve

Jueves 14 - Coro Nacional de Niños
Directora Maestra Vilma Gorini de Teseo

Viernes 15 - Coro Buenos Ayres Consort
Director Maestro Pablo Banchi

Sábado 16 - Coro de la Fac. de Farm. y Bioq. de la UBA
Director Maestro Federico Giribone

Domingo 17 - Coro Nacional de Jóvenes
Director Maestro Néstor Zadoff





Los talleres del Museo

21 AL 26 DE NOVIEMBRE 

en la que se exhibirán los trabajos realizados por los alumnos que asisten a los talleres anuales que tienen lugar en el MNAD:
Arte en Telar; Arte en domingo: dibujo y pintura; Dibujo, tintas y pastel; Dibujo y pintura :nivel básico- intermedio ; Pintura nivel avanzado;Dibujo de Figura Humana (con modelo vivo); Marquetería; Reciclado de muebles y tapicería; Restauración de porcelana; Vitrofusión, vitral y mosaico.





Cristales de Suecia . Diseño 1950. Colección del Museo

Exposición compuesta por 200 piezas de vidrio y cristal representativas del diseño artístico e industrial sueco correspondientes a la década de 1950 realizadas en manufacturas que se encuentran al sur de Suecia, en el llamado Reino de Cristal (Glasriket):Orrefors, Kosta, Boda, Johansfors, Flygsfors, Pukeberg, Reijmyre, Gullaskruf, Strömbergshyttan, Skruf y Ekenäs.

También se exhibirá, por primera vez,  el servicio de mesa para una persona perteneciente al banquete que se ofrece con motivo de la entrega de los Premios Nobel en Estocolmo. El servicio de mesa Nobel fue creado y producido especialmente para celebrar el 90 aniversario de los Premios Nobel en 1991 y se concibe a partir de cuatro temas: los primeros cuatro premios Nobel -Física, Química, Medicina y Literatura-; las cuatro estaciones del año; los cuatro continentes enunciados por los primeros geógrafos y las cuatro formas básicas 
de la geometría.  

Las piezas de vidrio y cristal fueron donadas al MNAD, por la Embajada del Reino de Suecia en 1959 y el servicio de mesa Nobel en el 2001.  

Esta exposición contará con visitas guiadas, conferencias y un catálogo.









Cerámicas Francesas 1880-1940. Colección Molina

 

Estas cerámicas fueron coleccionadas en Paris por el artista plástico Joaquín Molina 


Obras de Emile Gallé, Lucien Lévy-Dhurmer, Clément Massier, Agnès de Frumerie, Aimè-Jules Dalou, Hector Lemaire, Alexandre Bigot con  los vasos de Jean Mayodon, Emile Decoeur, Jacques Lenoble, Pierre Adrien Dalpayrat, Auguste Delaherche; Edmond Lachanal, André Metthey, Robert Lallement, Jean Besnard, Camille Tahraud que  conforman un conjunto de notable valor artístico , a la vez que significativo, del período Art Nouveau y Art Déco.




Sedas italianas del siglo XVIII

 

Organizado en forma conjunta con la Embajada de Italia - Instituto Italiano de Cultura. Muestra de un conjunto de 26 piezas de seda que provienen de la colección del Museo de Arte Textil, MAT, que tiene su sede en el Castillo de Sartirana, provincia de Pavía. Este conjunto ilustra una parte de la producción textil del área de Venecia del siglo XVIII, a la vez que pone de manifiesto el alto nivel de conocimiento técnico-artesanal de este sector. El arte textil de la zona de Venecia, durante los siglos XIV, XV y XVI era famoso por la calidad extraordinaria de sus sedas, pero en el transcurso del siglo XVIII Francia empieza su apogeo y posteriormente Inglaterra adquiere un rol preponderante.




Fotografías de Holanda

29 de Marzo -  30 de Abril

Exposición de 20 fotografías realizadas durante el año 2005 por Yayo Montoreano. En los paisajes, su especialidad, trata de introducir al espectador en una atmósfera con vibración, casi impresionista. Para lograr una mayor textura utiliza como método de impresión el giclée, soporte de impresión que aumenta el grano y la textura d e la reproducción final. Ha realizado numerosas exposiciones en salones de arte, galerías y teatros y ha recibido importantes premios.



Arte que camina. Historia, arte y moda del calzado italiano.

Recorrido a través de cinco siglos de historia, de diseño y de creatividad relacionados con un aspecto de la indumentaria del que resulta casi imposible dar una fecha cierta de nacimiento, tan lejano es su origen, al punto que podemos afirmar que hace su aparición en el mundo junto con el Homo Sapiens. Las sandalias fueron el primer tipo de calzado producido manualmente por el hombre y todas las civilizaciones han dado su propia versión, egipcios, asirios, persas, fenicios usaban sandalias con suelas de hoja vegetal sostenidas por tiras. Las antiguas ojotas vieron la luz en Oriente y también las usaron los pueblos precolombinos. La diversidad climática, el tipo de uso, los materiales disponibles marcan las variantes regionales y temporales y permiten reconocer algunas modas p. e. en el siglo XVI las damas europeas usan pantuflas de cuero o tela bordada, en Venecia usan altas suelas para aislar los pies del agua de las calles y, desde la boda de Catalina de Medici, se ponen de moda en Francia los zapatos con taco. En el siglo XVII el calzado femenino se diferencia marcadamente del masculino y las botas se asocian al uniforme militar. Desde el siglo XX la industria del calzado acompaña las tendencias culturales, artísticas y sociales que el mundo ofrece. El estilo italiano es fruto de una civilización antigua que se funda en el arte, la cultura, el artesanado y la habilidad manual. El calzado italiano es obra de alta artesanía ya que, en algunos casos, la creación de un par de zapatos lleva más de doscientas fases de elaboración.



Afiches polacos contemporáneos

 

Conjunto de 50 trabajos de 22 diseñadores contemporáneos, de la última década del siglo XX, donación de la Embajada de Polonia al Museo.

 

El afiche puede ser considerado como síntesis de un pensamiento gráfico donde el oficio y la economía de recursos se integran a una riqueza expresiva.

 

Por las difíciles circunstancias políticas que Polonia debió enfrentar en el siglo pasado fue también un vehículo de expresión (en lenguaje e imágenes) de fácil captación y multiplicación, convirtiendose así en un elemento importante de motivación social a la vez que un registro excepcional de la memoria e historia polaca.




 
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